Cheryl Dunn den 9/11

Cheryl Dunn den 9/11


Cheryl Dunn om Immortalizing the Life of Dash Snow

Jeg har aldrig mødt Dash Snow, men takket være dokumentarfilmen af ​​fotograf og filmskaber Cheryl Dunn, Øjeblikke som dette holder aldrig, Jeg føler nu, at jeg kender ham, at jeg har tilbragt nogle skøre gode tider med ham, og at jeg savner ham. Den 90 minutter lange film er en personlig, nærbillede af kunstnerens rå, smitsomme energi og hans urolige liv. Doktoren følger ham hoppe fra East Village squats til hustage, til barer, til tunneler, til fester og galleriinstallationer, mens han hører hans venlige stemme tale til os, reflekterer og sætter spørgsmålstegn ved alt undtagen hans egne venskaber. Hans omgangskreds, New York -bymiljøet af kunstnere og gallerister, klinger også ind med historier, der er både sjove og inderlige. Men lægen er ikke fanget i en bitter fortid snarere, det er en fejring af frie ånder, der er hensynsløse og gavmilde nok til at få os til at gøre vores omgivelser mere interessante. Jeg talte med Cheryl for et par år siden om en dokumentarfilm, hun ville lave om ham. Nu er den levende og ude i verden.

ALEXANDRE STIPANOVICH: Tillykke med en fantastisk dokumentarfilm, Cheryl.

STIPANOVICH: Der er mange lag i det. Der er dine egne optagelser, nattesessioner med Dash Snow, hvor du stiller ham spørgsmål og følger ham på hustage og squats gennem natten. Så er der optagelser, hvor du opretter en fortælling for at illustrere de forskellige bidragende stemmer, som vandmelonen bliver smadret på gulvet eller Barbie -hovederne på gaden.

DUNN: Ja. Mit mål var at få det til at være så meget i Dash ’s egne ord og bevægende billede, og selvfølgelig hans kunst. Jeg ville have ham til at fortælle sin egen historie, som om du var i rummet med ham i en samtale, og at andre skulle udfylde felterne eller supplere det. Jeg fik den feedback fra mange venner og følte, at de måtte bruge 90 minutter sammen med ham igen for at høre hans stemme. Det var virkelig tanken. Alt andet end det, jeg ville have det til at være i bevægelse så meget som muligt for virkelig at give seeren en ægte visceral følelse af New York dengang, New York hele tiden, undtagen måske nu.

STIPANOVICH: Byen i filmen føles som en jungle at udforske ... hustage, kældre, barer, squats omkring East Village. Filmen bærer den følelse af nysgerrighed, som han havde til en endeløs udforskning.

STIPANOVICH: Han tager os med på en tur, næsten under sin vinge. Vi føler os gennemsyret af hans personlighed, meget mere end den strengt tidslinjebaserede dokumentarfortælling. Jeg finder, at den "impressionistiske" tilgang har mere magt, mere liv. Er det sådan du ville dokumentarere at være?

DUNN: Ja, meget meget. Jeg havde en diskussion med Jade [Dash Snows enke] forleden aften om det. Jeg vil have, at du føler noget, men jeg fortæller dig ikke, hvad du skal føle. Det er op til dig. Så jeg giver dig oplysninger, men jeg giver dig ikke alle oplysninger, så du kan få en fortolkning. Forhåbentlig når du er færdig med at se den film, og nogen siger, “Hvordan var det? Beskriv det, og du kan måske ikke finde ordene, og det er med vilje, fordi jeg vil have, at du føler det. Ligesom hvis du står foran et smukt maleri, eller du lytter til en fantastisk sang, og kritikere forsøger at verbalisere musik. Jeg ville lave noget, som du ikke kunne ordrette.

STIPANOVICH: Du viser også hans kunst sammenflettet med hans virkelige liv.

DUNN: Kunst og kunstnere er dannet af miljø og gennem sanserne. Jeg tror, ​​at de bedste kunstnere har den tyndeste hud, fordi de føler ting. De føler miljøet, og så skaber de noget ud fra den følelse, og nogle gange er det farligt, som i Dash ’s tilfælde. Han var en meget følsom person, og han overlevede i sidste ende ikke den følsomhed. Derfor er jeg måske tvunget til at lave film om kunstnere, fordi jeg føler, at kunstnere, især tidligt i deres karriere, når de beskæftiger sig mindre med kunst og mere med det rene, medfødte behov for mennesker at skabe , de har mindre dagsordener. Jeg har lyst til, at det er sådan en særlig tid at fange kunstnere. Måske forstår du det ikke, men måske 10 år senere kigger du på noget, som nogen lavede 10 år før, og gud, du begynder at lave alle disse forbindelser.

STIPANOVICH: Det er også interessant at se, hvordan han virkelig var i kødet. Hans karisma har virkelig at gøre med sit samfund, eller den måde han ville tale med en fremmed på. Det er virkelig præ-internet, præ-socialt netværk.

DUNN: Nå, han var meget anti-teknologi. Der var mobiltelefoner, og han havde ikke en. Så du kunne ikke finde ham. Nummeret for ham var "Dash Jade", fordi du skulle ringe til hende, eller du skulle gå på gaden under hans studie og råbe hans navn.

STIPANOVICH: Havde han ikke et spejl eller periskop eller noget?

DUNN: [griner] Jeg tror, ​​han havde et par dåser med snor. Nate Lowman fortalte mig, at de gjorde det en gang med dåserne. De var tæt nok på, at de kunne gøre det. Det forsøgte de at gøre.

STIPANOVICH: Det er så sjovt.

DUNN: Jeg ved ikke, om han ville have fastholdt sine antiteknologiske følelser, men jeg har en fornemmelse af, at han faktisk ville have det. Han elskede denne århundredeskift, fredløse stemning.

DUNN: Ja, meget ude af nettet. Så tror jeg, at han begyndte at klæde sig lidt i den periode.

STIPANOVICH: Ja, hvilken stor stil han havde.

DUNN: Ja, han havde så meget karisma.

STIPANOVICH: Hvordan mødte du ham? Hvordan besluttede du at interviewe ham og følge ham?

DUNN: Jeg mødte ham ved en installation af et show, der foregik på Deitch Projects kaldet "Street Market." Det var et show med Barry McGee, Stephen Powers og Todd James. Jeg troede på det i 2000. Jeg blev bedt af et japansk forlag om at dokumentere det for en bog i Japan. Jeg satte mit videokamera op, og jeg hang rundt i cirka to uger - det var et ganske omfattende show. Og han kom rundt og hjalp med at male, og jeg mødte ham lige. Han var sådan en magisk knægt. Han viste mig alle disse Polaroids. Derefter efterfølgende var jeg kurator for et show kaldet "Session the Bowl" [Deitch Projects, 2002], der var centreret omkring denne store skøjteskål af dette kunstkollektiv kaldet Simparch. Jeg havde lavet en film om det i Wexner Center, og jeg kom tilbage til New York, og jeg fortalte Jeffrey Deitch, så han lavede et stort gruppeshow omkring den skål. Jeg sagde, at jeg vil lægge Dash Snow i den. Han lavede en hel væg af Polaroids og der er et foto i filmen af ​​ham og Larry Clark, der stod foran hans Polaroids. Da jeg mødte ham, var jeg gået ud med en graffitiforfatter, og jeg hang rundt i San Francisco med en masse graffitiforfattere, og jeg havde dette indvendige vindue ind i denne verden. Så jeg begyndte lige at filme disse fyre og piger, som jeg vidste bare for at have det. Jeg skød ham meget mere i den alder, 19 år, bare for at se, hvad han havde gang i, til et fremtidigt projekt, der måske skulle ske en dag.

STIPANOVICH: Og her er den. Han havde skøre ideer til sine shows ... som denne på Rivington Arms, hvor han inviterer Papa Smurf [figuren af ​​en East Village squat] til at sidde på en sofa og synge over Charles Manson -albummet LIGGE, iklædt en lyserød kjole. Filmen skildrer ham som altid med masser af sjove ideer.

DUNN: Åh ja, han var en nar. Han var en rigtig jokester. Han elskede hemmeligheder og spor og skjulte budskaber, og det var altid en del af hans personlighed.

STIPANOVICH: Dash krydsede mange discipliner: graffiti, fotografering, collage, installation, re-tilegnelse, body art, musik, filmskabelse, forestillinger. Hans stil indkapslede al den rige kompleksitet uden paradokser. Han var et helt sammenhængende jeg.

DUNN: Det er sandt. Jeg synes, at han var utrolig nysgerrig og super produktiv. Han lavede bare ting hele tiden. Da jeg mødte ham, var det ikke, som om han vågnede og sagde: "Jeg er kunstner nu." Han var en slags tilbageholdende kunstner. Han var den mest rene kunstner. Det var ikke denne overlagt ting, det bare var. Det var virkelig fra venner, der gik som, “Dude, dette er en skulptur, ” og “Du skulle vise disse Polaroids. ” Det var bare hans medfødte, rene instinkt at dokumentere, at lave ting. Hvert øjeblik i hans liv levede bare denne ting. Jeg gik ikke så dybt ind på kostskolen - som filmskaber skal man træffe valg. Du har 90 minutter. Men det var det, jeg lærte om det sted - censuren, de lagde på børnene. De fik ikke lov til at lytte til musik. De havde bøger, der blev censureret, der havde ord skåret ud af dem. Lidt som fængsel, tror jeg. Det var altid interessant for mig, at han derefter udviklede sig til at lave collager. Disse undergravende ord, der blev nægtet ham som teenager, som han derefter symbolsk tog af gulvet og derefter lavede kunst ud af 10 år senere. Han blev bare ved med at udvikle sig. Jeg synes, han var en fantastisk gadefotograf. Derefter begyndte han at instruere folk. Jeg ved, at han ledte efter mig senere, måske et år eller to før han gik, for at stille spørgsmål om film, fordi han virkelig gerne ville begynde at lave film mere. Mange af de 8 mm i dokumentet er skudt af ham og Jade.

STIPANOVICH: Jeg tænker på soveværelserne på internatet og den dystre farveblok malet på deres væg. Det føjer til følelsen af ​​ubehag og censur, du beskrev. Hurtigt frem: Jeg tænker på reden eller hotelværelserne, som de ødelagde med sin ven Dan, hvilket nærmest virker som en gengældelse fra disse kostskoledage. Måske er der noget her om intimitet og hjemmeliv, der blev stjålet fra ham, som han vil gøre farligt og rigt igen. Også denne scene med fire vægge lavet af bøger, omkring en fyr der udfører den tibetanske sangskål. Det er en præstation. De fleste af bøgerne har bizarre, voldelige titler relateret til døden ("Grim, Gruesome og Grisly", "The Dead Girl" osv.)

DUNN: Ja, det var et bogfort. Jeg tror, ​​han først skabte det til det andet Rivington Arms -show, som han havde, og så var det bestemt på Brant Foundation efter hans død. Denne optagelse var en optagelse fra Smukke tabere dokumentar, og det gav de mig. Det var hans studie på Bowery.

STIPANOVICH: Der er også en tese i filmen om, at 11. september var et skift til stofbrug i New York, hvor krigen i Afghanistan og USA var en stor producent af opioider som heroin. Efter 9/11 blev heroin mere populær og erstattede dybest set kokain. Er det præcist?

DUNN: Det var, hvad nogle af hans nærmeste venner sagde på det tidspunkt. Der var mange flere, der gjorde det. Tingene drejede lidt i den retning. Jeg har ikke førstehånds erfaring med det, men det er, hvad flere mennesker fortalte mig.

STIPANOVICH: Og Dash Snow personificerer virkelig historien om dette samfund. Hvad tror du, at hans arv er?

DUNN: Jeg tror, ​​at den tid i New York er en bestemt kunstbevægelse, et årti, som jeg tror nu er historie. 9/11 bliver for 20 år siden. Tyve år allerede! Han er et af de store navne i kanonen i kunsthistorien i New York. Jeg ser bare Kenny Sharf -dokumentaren. Der er meget arkiv om Basquiat og Warhol. Kenny Sharf var et barn i Californien, og han kom til New York. Han var et 70'er -barn fra en søvnig by i Californien, og han så ting, der foregik i New York med Andy Warhol, og han var ligesom, “I ’m gik der. ” Han kom til New York, og han blev, hvem han blev. Jeg kender så mange børn, der er kommet og arbejdede for Ryan McGinley på grund af det, de har hørt om Dash gennem årene. Ti år er lang tid, og minderne forsvinder, og det er bestemt en grund til, at jeg går igennem dette og laver film. Det er sådan, at minderne ikke forsvinder, og at farverne forbliver levende. Min drøm, og jeg tror helt sikkert på, at når denne pandemi er forbi, og børn over hele verden kommer til at se denne film, er, at de kommer til New York. De vil lave deres eget New York. Huslejen vil være lavere, kunstnere har råd til at bo her, og de kommer til at komme. Og jeg har allerede feedback fra folk, der siger, at de er inspireret af denne film. Det er en interessant tid, at dette kom ud lige på dette tidspunkt. For et år siden, kunne du forestille dig, at vores liv ville være sådan? En pandemi? Slet ikke.

DUNN: Agathe [Snow, Dashs første kone] sagde til mig, at filmen var meget speciel, og at det måske var bedre, at folk kom til at se denne film i deres stuer og have denne intime tid med ham i 90 minutter, fordi det var virkelig hvordan han var. Så mange mennesker siger til mig: "Han var min bedste ven", fordi han fik dig til at føle dig så speciel. Så hvis du har denne dig-og-ham-tid i din stue, var det måske den bedste situation i sidste ende.


Vi Folk

Cheryl har instrueret denne dokumentar for T Magazine med 21 ekstraordinære skuespillere, der kom sammen på La MaMa Experimental Theatre Club på Manhattan for at mindes om deres første store pauser.

Om kunstneren

Født i New Jersey, USA. Cheryl opdagede først en interesse for fotografering, mens han studerede en BFA i kunsthistorie. Da hun flyttede til New York i midten af ​​80’erne, freelancede hun som assistent i en kort periode, inden hun landede sin første store kommission for Levi’s. Cheryl, der er kendt og bredt anerkendt for sin gadefotografering og dokumentarfilm, har med succes integreret sin stil og vision i sit kommercielle arbejde og tiltrukket kommissioner fra mærker som Nike, Motorola, Adidas og Quiksilver. Hendes film 'Everybody Street' fra 2013 vandt utallige priser og blev vist i vid udstrækning på filmfestivaler over hele verden, herunder Tate Modern, London. Denne film i længden dokumenterer liv og værker for New Yorks ikoniske gadefotografer og byen, der inspirerer dem. Hun fortsætter med at bo i NYC.

Kundeliste

  • Adidas
  • Alix NY
  • Chanel
  • Converse
  • Trøstens skabninger
  • Desperados
  • Dickies
  • DR Pepper
  • Ghurka
  • Lyft
  • Facebook
  • Motorola
  • NBC Universal
  • New York Times
  • Nike
  • Nr. 6
  • Puma
  • Quiksilver
  • Ray Ban
  • Standardhotellet
  • Landsbystemmen
  • T Mag
  • True Journal
  • Vægt overvågere
  • Wendy Nichol
  • WESC
  • Vans
  • Victory Journal

Bøger

Cheryl Dunn har optaget musikfestivaler i over 20 år. Hun skyder fra gruben eller fra første række efter de største rockstjerner i verden, men hun er også fan. Fotografierne fejrer det, hun har set, hvem hun har danset med, og hvem hun har lavet billeder med.


Everybody Street

Prolific shooter Cheryl Dunn på hendes nye dok Everybody Street - fejrer NYC street photography - som har premiere på ICA, London, fredag ​​den 7. februar.

Prolific shooter Cheryl Dunn på hendes nye dok Everybody Street - fejrer NYC street photography - som har premiere på ICA, London, fredag ​​den 7. februar.

Denne historie blev offentliggjort i Huck 41: The Photography Special i december 2013.

Hvad har en rockfestival og en protest til fælles? Hvad har en udstillingsåbning og en metrostation tilfælles? Hvad har en graffitiforfatter til fælles med en berømthed fra A-listen? Hvad har de alle til fælles med gaderne? En masse. Kraften i ethvert billede for mig er virkeligheden af ​​det. Kan du få skuddet uden at personen ved det? Kan du fange dem på vagt? Kan du fange det virkelige øjeblik?

I min film Everybody Street [en hyldest til gadefotografering i New York, med pionerer som Bruce Gilden og Mary Ellen Mark], siger Bruce Davidson: ’Det er ikke gaderne, det er, hvor gaderne leder dig, det er vigtigt.’ Og jeg kan virkelig godt lide den idé. Jeg tror, ​​der er sammenhænge mellem alle de ting, jeg skyder, og at de alle informerer hinanden - uanset om jeg er i et hav af 100.000 glade mennesker, der snubler ud på en musikfestival eller i lyset af vrede New Yorkere, der løber blok for blok. Jeg prøver altid at få et autentisk øjeblik, en ægte følelse, en person, der ikke er selvbevidst med kameraet. Men det er en dans, og det respekterer og enhver situation er helt anderledes.

Jeg begyndte at tage billeder i gymnasiet. En kæreste gav mig en lille Rollei 35 mm pop-out, og efter at have studeret kunsthistorie på college sluttede jeg med at bo i Europa i et par år på at rejse rundt og skyde. Da jeg kom tilbage til New York, startede jeg med fotoassistance, og jeg lærte virkelig forretningen - at lære af andre menneskers fejl. Det er godt at begå dine fejl, når du er ung og ikke er bange. Men du skal aldrig være bange for at begå fejl. Livet bevæger sig med lysets hastighed. Folk glemmer de fejl, du laver. Bliv bare ved med at lave.

Jeg forsøgte at få skud til blade, men det var hårdt og konkurrencedygtigt. Så jeg lavede selvpålagte opgaver bare for at blive ved med at skyde. Jeg havde adgang til denne bokseverden i New Jersey, der dengang var meget utilgængelig, og jeg brugte dette emne som en dokumentarisk verden til at udforske indefra og ud. Og også gaderne. Gaderne er gratis. Så måske skød jeg ikke efter Ansigtet hver dag, men jeg skød. Og det var interessant for mig. Nu, på dette stadie i min karriere, gudskelov, jeg gjorde det, fordi jeg har dette arbejde, der virkelig var sandt for den, jeg var i stedet for en andens agenda. Det var også fordi jeg mislykkedes eller ikke sprængte på en bestemt måde, at jeg havde tid til at dokumentere mine venner, der var kunstnere. Jeg hang rundt i San Francisco med alle disse graffiti -fyre -kunstnere som Margaret Kilgallen, Barry McGee, Phil Frost og jeg blev udsat for denne verden af ​​graffiti, hvor alle slags hjalp hinanden og kendte hinanden, og jeg tænkte, hvad de lavede og refererede til i deres arbejde var hobo -markeringer og hele denne messaging -historie virkelig speciel for vores generation. Men dengang gjorde folk ikke rigtigt historier om kunstnere. Så jeg lagde historier. Og historierne blev taget op. Og jeg føler mig utilfreds med det, fordi det er normen nu, men det var ikke dengang.

Jeg forsøger altid at skabe en ligestillingszone, når jeg skyder som: 'Føler du dig mærkelig? Jeg føler mig også underlig! ’Jeg afslører mine sårbarheder, fordi motivet føler sig sårbart ved at få taget deres billede. Så jeg er bare et menneske. Alle er et underligt mangelfuldt menneske, og jeg lader det ligefrem vide. Vi er på samme hold. Jeg er ikke til berømthed, og jeg er ikke til folk, der synes, de er bedre end andre mennesker. Jeg tror absolut det modsatte. Så jeg forsøger bare at være på samme spilleplads og have en co-oplevelse. Vi laver et billede sammen.

En masse gadefotografering er intens. Det er tungt. Men det er virkeligheden. Uanset om du anerkender det og ser på det eller ej, går det ikke væk. Det er der. Og virkeligheden er smuk, den er tung, den er mørk, den er lys, det er alle disse ting. Og sådan er gaden. Sådan er New York og enhver storby virkelig. Bare så mange forskellige mennesker. Og derfor er det fantastisk. ”

Se videointerviews med Cheryl Dunn på Huck YouTube -kanalen.

Gå og se Everybody Street, efterfulgt af en Q & ampA med Cheryl Dunn og featured fotograf Boogie fredag ​​den 7. februar på ICA, London.


Historikerens objektiv

En fotograf i den grusomme tradition i New York street, Cheryl Dunn anvender sine kinematografiske koteletter på Everybody Street (2013), en fest for en dokumentarfilm om gadefotografer i New York. De fremhævede fotografer er næsten alle filmskydere, mest fordi de startede på den måde og ikke har set nogen grund til at ændre sig. Bruce Davidson, Joel Meyerowitz, Mary Ellen Mark, Boogie, Jeff Mermelstein, Martha Cooper, Ricky Powell, Elliott Erwitt, Jamel Shabazz, Clayton Patterson, Bruce Gilden, Rebecca Lepkoff og kritikerne Max Kozloff og Luc Sante tilbyder interviews og glimt ind i deres interview arbejdsdage, mens der er passende nik tilbage til pionererne inden for gadefotografering: Eugene Atget, Henri Cartier-Bresson, Diane Arbus, Robert Frank, Garry Winogrand, Lisette Modell og Helen Levitt. Dette er en kort liste og indeholder ikke hvert navn, som nogen af ​​os ville kæmpe for at inkludere, selvfølgelig, men det er en rig prøve. Meget mere information om disse kunstnere (filmen ’s “cast ”) er tilgængelig på filmens ’s websted.

copyright Cheryl Dunn, fra “unfuck world ”

Dunn har praktiseret denne kunst, ligesom hendes emner (hvoraf mange også er, man gætter, hendes venner) i omkring tredive år. Hun har haft mange vigtige udstillinger og har udgivet flere bøger. En fantastisk filmbit på Vimeo, optaget i forbindelse med hendes udstilling på galleriet Ivory & amp Black i London i 2012, viser hende i aktion på Londons gader — Leica i hånden, mens hun spadserer med galleriejeren, hun kan ikke lade være tag billeder, mens hun går langs. Dunn tilbyder også en række oplysninger om inspiration og produktion af filmen i et omfattende interview med “Katie Chats ” i forbindelse med filmens åbning i Toronto i foråret 2013.

Faktisk, jo dybere jeg er gået i forskning af denne fantastiske underverden af ​​gadefotografering, desto mere ophidset og modløs er jeg blevet for at opdage, at mine egne tredive års interesse toppet med flere års intens opmærksomhed knap har ridset overfladen af hvad der er derude at opdage om praktikere og filosofier ved gadeskydning.

Cheryl Dunn (holder vinen) ved undertiden åbningen af ​​svaret, Ivory & amp Black, London, 2012 (ingen fotokredit tilgængelig foto fundet på fecalface.com). Udstillingens navn er fra et Lisette Model -citat.

Selvom hun ærligt indrømmer, at det var lidt af en tilfældig proces at samle sine emner (som de fleste interview-/filmprojekter), giver filmens konsistens af stil og budskab seeren nogle store takeaways. Disse er dristige fotografer — faktisk, dristige mennesker, i hvert fald bag kameraet. Bruce Gilden er for mine øjne den mest skræmmende modige, og han indrømmer selv, at man i HANS øjne kan se vanvid eller i det mindste abnormitet. Når han bliver klædt ud i sit gadefotograftøj, ser han lidt sløv ud, i en af ​​de corny flerlommerede rejseveste med randen af ​​sin svinekødshue vendt op. (Faktisk, som du kan se nedenfor, er han en temmelig smuk, ganske normal fyr.) Han accosterer folk lynhurtigt og slipper kameralukker med den ene hånd, mens han holder sin slukkede kamerablitz i den anden. Dunn viser en kvinde, der forsøger at slå ham, efter at han kommer i hendes ansigt på denne måde, og andre forbander ham, mens han løber forbi og blænder dem med sin blitz, mens han stjæler deres billeder. Resultaterne ligner meget Weegee -fotos (der er andre analoger, men det er den, der taler højest). Diane Arbus kommer også til at tænke på. Det er en vidunderlig kunst, men wow — jeg kunne bare ikke gøre, hvad han gør.

Bruce Gilden (fra hans Facebook -side)

Det mener jeg ikke på ethvert etisk grundlag. Mere om min egen etik herunder, men jeg vil tilføje her, at Gilden, ligesom nogle af de andre fotografer, der er profileret i Dunn ’s film, er en Magnum -fotograf, der har rejst internationalt (selv ud over byerne i sin store by!) For at fremvise krise og behov i hele verden. I Haiti, som han har besøgt flere gange, er hans brutale stil anholdende, forstyrrende, på en eller anden måde passende til emnet og bestemt ikke smarmy, men — foruroligende.

Jeg har mere selvtillid, end jeg nogensinde kunne have forestillet mig bag et kamera, men ikke nok til at FANGE billeder på den måde, han gør, med den forsætlige kunstners utilsigt og sikkerhed. Jamel Shabazz, hvis smukke arbejde ofte fokuserer på afroamerikanske individer og lokalsamfund, forklarer, at han er begyndt at bede folk om deres portrætter, og han er ikke rystet, når kritikere finder sine emner “ stillet, ”, fordi forholdet dannedes ved at spørge for billeder er for ham vigtigere end furtive greb af skud.

copyright Jamel Shabazz 2009

Jeg er selv en furtive grabber, som jeg sandsynligvis har skrevet andre steder. Når jeg bliver fanget smiler jeg og går videre. Jeg bruger også ofte Zack Arias -tricket til at foregive, at jeg skyder noget andet ved at se ud over mit virkelige motiv før og efter skuddet. Dette er meget lettere med et kamera, der har en artikuleret skærm, i øvrigt, selvom chimpanse (at kontrollere dit billede på skærmen, efter at det er taget og derefter kigge igen UDEN dit faktiske motiv) også kan være en god underfuge.

Mine egne etiske standarder håndhæves delvist af reglerne for de lagersteder, jeg bruger, som kræver modeludgivelser for alle, men “redaktionelle ” fotos (bruges ikke til at sælge ting), og afviser uudgivne fotos af enkelte børn samt voksne fanget i kompromitterede positioner. Men den anden ting er, at jeg bare ikke skyder voksne i kompromitterede positioner, og når jeg skyder mennesker, der ikke ser bedst ud i det øjeblik, gør jeg ikke disse fotos offentlige. Med andre ord laver jeg smukke billeder. Og selvom jeg godt kan lide mine billeder, indser jeg, at denne indsnævrede æstetiske smag også begrænser min karriere og min vækst som fotograf, i hvert fald til en vis grad. Så jeg studerer alternative tilgange for at forsøge at forstå deres praktikere.

Cheryl Dunn, som jeg tror, ​​skød stort set alle optagelserne i filmen, fanger hendes kolleger, der gør deres job i New York-gaderne, og resultaterne er virkelig spændende såvel som underholdende og nogle gange ligefrem nervepirrende. Jeg elsker at se Jeff Mermelstein og Joel Meyerowitz bukke over deres små kameraer midt i mængden, vende den og den vej, holde pause i et kryds og derefter tage et skud og slentre videre, alt sammen i en jævn bevægelse. Jeg elsker Ricky Powells fjollethed og Clayton Pattersons skamløse gamle hippie -modkulturetik.

For mig er den mest sandsynlige model — den jeg kan se mig selv efterligne i hendes gadetilgang — Martha Cooper. Dette er ikke at sige, at vores stilarter er identiske, eller at jeg kunne gøre, hvad hun har gjort ved utrætteligt at dokumentere ikke kun sit kvarter, men også de graffitierede metrovogne, da hun satte sig på autotage på frysende morgener for at se efter de malede, da de klaprede ind i byen. Men hun har brugt en blid, smilende, vi-er-alt-i-dette-sammen-tilgang til sine emner, og har undret sig over og fejret deres særlige syn på kunst.

Subway Art titelblad, med foto af Martha Cooper

Bruce Davidson er en anden subway shooter — selvfølgelig, dette er kun et kort kapitel i hans lange og bemærkelsesværdige karriere —, og i filmen kommenterer han sin voksende fascination af New York -metroerne som central for at forstå byen. Metroerne i halvfjerdserne og firserne var ligesom byen som helhed blevet snavsede og skræmmende, men var stadig vigtige for normale mennesker, der havde brug for at komme fra sted til sted. Davidson måtte lære at skyde i metroen og beskytte sig selv og sit udstyr på samme tid.

Guardian Angels i metroen i New York. Ophavsret Bruce Davidson.

Rebecca Lepkoff minder os om den ubrudte række af dokumentarfotografer, der strækker sig tilbage til New York Photo League i trediverne og fyrrerne, hvilket naturligvis kom på en sort liste over undergravende organisationer i begyndelsen af ​​den kolde krig. Lepkoff, velsign hendes sjæl, døde et år efter at denne film blev afsluttet, i en alder af 98 år.

The Lower East Side copyright Rebecca Lepkoff

Mary Ellen Mark døde også for nylig, alt for ung på 75, og Cheryl Dunn har uploadet en kort hyldest ud over segmenterne i Everybody Street.


Cheryl Dunn

Cheryl blev født i Northumberland og afsluttede sin ungdomsuddannelse inden for den lokale ungdomsskole. Cheryl begyndte først og fremmest sin karriere ved at blive optaget i Royal Navy som officer, for at træne inden for Fleet Air Arm som pilot og flyttede derefter til udlandet til Tyskland for at slutte sig til sin mand, der også tjente med de britiske styrker, for at stifte familie.

Cheryl studerede sin første grad i Human Biology med Open University og opnåede en 'First' klassifikation. I løbet af ti år i Tyskland arbejdede Cheryl i forsvarsministeriet som rektor i førskoleundervisning samt undervisning i fremmedsprog for at tvinge børn på sekundært niveau og flyttede til Det Forenede Kongerige i 2007. Efter hjemkomsten til Storbritannien, Cheryl fik en stilling på en ungdomsskole, der underviste i biologi og fremmedsprog i faglederens fravær samt ledet et inklusionsprogram for elever, der var udsat for eksklusion. Cheryl fik yderligere videregående uddannelser efter hendes flytning fra Tyskland, og i 2011 begyndte hun sin rejse inden for Jordemoder.

Cheryl dimitterede fra Northumbria University med en First Class BSc Hons i Jordemoderstudier i februar 2014 og tildelte 'Bedste akademiske studerende' inden for fakultetet og fik snart ansættelse inden for en lokal tillid. Efter hurtig succession af præceptorskabet arbejdede Cheryl som en roterende seniorpersonel jordemoder med speciale i pleje og postnatal pleje og blev en del af et kerneteam, der støttede afdelingen for fødsel og postnatal. I løbet af denne tid blev Cheryl involveret i forskning på hospitalet samt audits, praksisudvikling og opnå finansiering til barsel.

Cheryl fik derefter en sonografipost som avanceret jordemoderpraktiker inden for privat sundhedspleje og afsluttede en PGdip i Obstetric Ultrasound Sonography i april 2018, belønnet med udmærkelse. I dag vender Cheryl tilbage til Northumbria University for at tage stilling som Graduate Tutor i Jordemoder og for at studere ph.d., hvor hendes passion for jordemoder, uddannelse og forskning kan forene sig for at hjælpe med at skubbe mod en endnu mere sikker og effektiv barselsservice.


“Everybody Street” — Den ultimative gadefotografidokumentar, der giver dig lyst til at gribe kameraet og ramme gaderne

Everybody Street — The Street Photography Documentary Det er det eneste værktøj, der stopper tiden, ” “ Jo dybere du går, jo bedre billeder tager du ” eller “Det er livet på gaden, og hvor gaden tager dig, at det er vigtigt ” — det er kun to af de mange stærke citater fra dokumentarfilmen Everybody Street af Cheryl Dunn, en film om gadefotografering, der lige havde premiere i New York. Everybody Street belyser liv og arbejde for New Yorks ikoniske gadefotografer og den uforlignelige by, der har inspireret dem i årtier.

Dokumentaren hylder gadefotografens ånd gennem en filmisk udforskning af New York City og indfanger det visuelle sus, enestående udholdenhed og til tider umiddelbar fare, der er sædvanlig for disse kunstnere.

Jeg talte med Cheryl Dunn om hendes film, der giver dig lyst til at gribe kameraet og komme på gaden, men først lidt baggrund:

Dokumentaren blev optaget i New York i løbet af tre år og dækker ni årtiers gadefotografering ved at kombinere 16 mm sort / hvid, HD, stillbilleder og arkivmateriale til at skabe et filmisk gobelin, der indskyder en unik vision i gadefotografiens historie.

Mor at være | Boogie

There’s hardly a better playground for a photographer than a bustling, loud, dynamic city. Everybody Street is a film about the challenge and excitement of shooting everyday urban life a film dedicated to the originality and independent spirit of the artists profiled.

It’s a city portrait by artists who share an obsession with documenting New York City’s landscape and people, from graffiti-covered subways to gangs in Brooklyn. Folded in to the sometimes brutally honest conversations are 16mm film clips portraying contemporary New York City in a style mirroring the gritty and diverse photography seen throughout.

NYC | Bruce Gilden

Most of the photogs can be seen carrying Leicas or other 35mm cameras, and there’s even some discussion of how the tools you use can affect the pictures you take in unexpected ways. For example, a large format camera allows for a completely different type of interaction with people than a small rangefinder.

The documentary also touches on the old digital versus film debate, with a decent mix of opinions on how the Internet — along with easy access to image-making tools — has altered the photographic landscape. Some of these artists, like Joel Meyerowitz, see the potential of great genius in the way people use cameras today, while Eliott Erwitt sees digital as diluting the art form.

Coney | Mary Ellen Mark

Well I asked the film’s director Cheryl Dunn — who is herself a photographer — some questions about the documentary:

What was it like to shoot Everybody Street, Cheryl?

The privilege to interview and hang out with these photographers was very exciting and special. I really believe that there is nothing better than garnering insight from artist themselves about their processes and that is what i hoped to share with this film.

What’s street photography for you?

It’s is an exciting dance, a difficult challenge that tests your commitment, instincts, physicality, vision, sensitivity to light and your ability to anticipate action. It’s a study of human nature and culture that is alway evolving.

Why a documentary?

It was initially a commission from a museum. That was the catalyst and making it into a feature was a natural progression. Making a feature film about something you do and love is a good gig…

A street photographer at work isn’t probably the most sociable person…

Everyone is so different. But all of them are incredibly passionate and are workaholics and great teachers. It was sometimes intimidating and always an honor.

Digital photography isn’t the end of classic street photography, isn’t it?

I hope that when people are using their photo apps and enjoying participating in taking and sharing photos today that they understand and appreciate the importance of what has gone on before and have a look at my film to learn about it.

Photographers featured in Everybody Street are Bruce Davidson, Elliott Erwitt, Jill Freedman, Bruce Gilden, Joel Meyerowitz, Rebecca Lepkoff, Mary Ellen Mark, Jeff Mermelstein, Clayton Patterson, Ricky Powell, Jamel Shabazz, Martha Cooper and Boogie, with historians Max Kozloff and Luc Sante.

You can purchase Everybody Street through Vimeo rent is $4.99, buy $12.99.

Call Me | Jamel Shabazz Kids & Ruins | Martha Cooper


Cheryl Dunn on 9/11 - HISTORY

In mid-March of 2020, Subliminal Projects was preparing to open LET THEM EAT CAKE , by New York-based photographer and filmmaker Cheryl Dunn. As the COVID-19 Pandemic came to a head, we postponed the exhibition in hopes of a swift resolution. In the subsequent months, we collectively endured unfathomable loss, hideous injustices, and expanded divisiveness. The 2020 election is in a matter of days, and there is no better timing than now to showcase works that echo the state of our country. Subliminal Projects is pleased to present LET THEM EAT CAKE , a two-day public video installation and four-week online exhibition by Cheryl Dunn.

For 30 years Cheryl Dunn has documented protests and captured citizens exercising their constitutional rights. LET THEM EAT CAKE provides an arching photo and video survey of the American political climate and the Americana landscape as it withstands the story of a divided country, not from the perspective of politicians and their agenda, but from the people in the streets.

“A camera can be a shield and or a window. It Can be a weapon. A weapon of communication. When I began to conceive of this show I thought about what I could say cumulatively about all the protests I have documented over the years. I also thought about the beauty of this country, what it means to fight, and why we do it. I wanted to juxtapose these two concepts. Then the country exploded and everything changed. What I set out to present with LET THEM EAT CAKE, had new meaning now, or no meaning at all. To make a broad claim of the state of a country is arrogant. One can only present what they see and the way they see it. Like many cities all over the county this summer, my hometown of NYC became like a caldron. I tried to be on the streets as much as I could, to be witness to the constant change. Broken windows boarded by morning, graffiti buffed out in a day or two, burnt cars towed away. My aim was to capture the tension of people in relation to the evidence and the messaging before it was cleared. Words have the power to move mountains and topple towers. Pictures and video can change the course of justice. Here are my images of an American caldron.”- Cheryl Dunn

LET THEM EAT CAKE will be on view November 1 at 10 am PDT through subliminalprojects.com . From Nov. 1st (1 pm to 9 pm PDT) through Nov. 2nd (1 pm to 7 pm PDT) Subliminal Projects will host an outdoor video installation on view for the public in the parking lot located behind the gallery on Vin Scully Boulevard in Echo Park. The public installation showcases exhibition works and never-before-seen footage by Cheryl Dunn. We invite the viewer to experience the magnitude of these works on a large scale as a source of inspiration and as a moment of reflection as we execute our voting plans and brace for a historic election. We ask that all visitors be respectful of social distancing guidelines and wear a mask or face covering.

We look forward to inviting the public back to our space to continue our mission to serve as a center for the community to openly express and spark dialogue about art, music, and activism.

To advance this dialogue to action, 25% of the purchase price of art sales from LET THEM EAT CAKE will be donated to the American Civil Liberties Union (ACLU) to support their mission to realizing the promise of the Constitution and expanding the reach of its rights to all.

Cheryl Dunn is a documentary filmmaker and photographer who lives and works in New York City. She has spent a large part of her career documenting city streets and the people who strive to leave their mark there, from graffiti writers, artists, skaters, boxers, bikers, and protestors. Her award-winning feature documentary “Everybody Street” features some of the most accomplished NYC street photographers of the last century. Her work has been exhibited in various galleries and museums including, Deitch Projects, The Tate Modern, and the Geffen Contemporary MOCA. She has three published photography books – Bicycle Gangs of New York, Some Kinda Vocation, and Festivals are Good. Out this year will be her latest documentary feature, “Moments like this Never Last,” about the late artist Dash Snow and the NYC downtown art scene post 9/11.

For more information on Cheryl Dunn, visit cheryldunn.net or follow her on Instagram @cheryldunn .

The ACLU’s mission remains realizing the promise of the Constitution and expanding the reach of its rights to all. Beyond one person, party, or side — the ACLU dares to create a more perfect union.

From November 1st to December 5th, 2020, 25% of the purchase price of art sales from this exhibition will be donated to ACLU.


Cheryl Dunn: Everybody Street

Som en del af Nokia Lumia 925 Low Light Photography Competition, we take a look at the inspiring work of Cheryl Dunn. Street photographer and film-maker too, her work on street photography showcases what's possible with a willingness to get outside and the means to capture what you see. Putting the call out for the next great in the genre Cheryl has mastered, Dazed and Nokia have been inundated with entries. Now it's time for you the public to vote - bid for your choice and give the winner a brand new Nokia 925.

When Cheryl Dunn first got into professional photography, she found herself trying to capture the unpredictable and frenetic action going down in the boxing ring. This experience, coupled with a love for graffiti, would later lead her down the natural route of street photography, a genre that has provided much of the subject matter for her subsequent, successful career as a photographer and filmmaker. Her most recent endeavour is the feature length documentary Everybody Street, a film doubling as a historical portrait of New York City’s street photography tradition and an introduction to some of its most important practitioners, from early hip-hop style chronicler Jamel Shabazz to former Photo League-member Rebecca Lepkoff. We talked to Cheryl on the phone from New York – the city that inspired both the doc and her own images – about history, technology and whether the camera phone has the potential to yield a new photographic sensibility.

DD: What was it that first attracted you to shooting in the streets rather than, say, studio work?

Cheryl Dunn: When I started shooting boxing in the 1980s, I suddenly had a ticket into this really inaccessible world. I used this subject as an opportunity to hone my skills, as it’s very difficult to get great shots of boxing since you’re pinned to certain sides of the ring and have to pick where you’re going to stand. You have to be flexible, instinctual and fast, and that was really the foundation of my photography practice. I also documented a lot of graffiti stuff happening on the street, so I guess two of my early practices led me to do more and more street photography. It was just what made me happy, and I could do it all day, every day.

It’s really hard and it requires so much patience, it’s not like you can create things or make scenes happen. You can anticipate something and put yourself in a place where it might possibly happen, but you can never create it. That’s what I love about it, actually. Photography is not a democratic medium – in the business sense. More so than ever before, because in the past you kind of had to know what you were doing technically, whereas now cameras sort of do everything for you. So the photography business is more of a personality thing, or about who you know. That is not democratic to me – it’s not necessarily about your talent or skills. That’s something that bothers me about many aspects of life. I think street photography is just like, if you don’t put in the time it doesn’t matter if you are rich or privileged or whatever – you’re not good at it.

You can anticipate something and put yourself in a place where it might possibly happen, but you can never create it.

DD: I guess street photography in that sense is one of the few forms of photography that is inherently authentic?

Cheryl Dunn: Nemlig.

DD: Who did you look up to?

Cheryl Dunn: I’m a huge fan of Bruce Davidson. I just think Subway is one of the most epic New York photography books. I grew up in New Jersey, on that edge of NYC in the really gnarly eras of the city. It was the late 70s, I was a teenager and we would come in to this bankrupt town – it was really scary and really exciting. Every time we went over the bridge, my heart would be racing. jeg tror Subway is just an epic document of a city at a very extreme time. The subway is like a spider web of an entire population, so raw and amazing. And of course I always liked the graffiti. Meeting him [Davidson] was actually a catalyst for me pitching this film.

DD: Yeah, tell us about your documentary? Where did the idea come from?

Cheryl Dunn: It was commissioned by the Seaport Museum, in conjunction with a retrospective on Alfred Stieglitz. They consider him one of the first street photographers of the time, he took the large format camera off the tripod and walked around with it a handheld 4x5. He really fought for photography to be respected as an art form, so I wanted to make a film about the people who followed in his path and were inspired by the uniqueness of the street life of New York City: the way people move, the architecture, they way the light falls, the steel and glass structures – just the volatile proximity and the condensed amount of people walking the streets. I wanted to reach out to people who had a major body of work that deals with the streets of New York. Artists that were alive, which is why the artists in the film tend to be older – some of them are in their 70s, 80s and 90s. I think it’s very important to have artists talking about their own process, rather than critics and pundits doing all the talking. We have so much of that.

DD: The film introduces some truly boundary-breaking, visionary photographers, such as the Photo League and Bruce Gilden. Is there such a thing as radical street photography today?

Cheryl Dunn: Well, it’s harder to come up with new things. But I think there’s definitely amazing stuff happening just because of the ease at which people can do it – especially with camera phones, as everybody has one. But what they are saying is a whole different story. I recently watched this Paul Strand documentary and he said ‘You can take pretty pictures all day long, but what are you saying?’. I guess I struggle with that myself: I take all these photos of lots of different types of things, but when I have an exhibition and I start selecting and compiling them, I have to think deeply about what am I saying with the 20 pictures I’m picking. I think it’s an interesting accompanying art form to photography – the editing. It’s something I don’t know that people know how to do very well. I think it’s the difficulty of our time now, but hopefully also what we will learn.

DD: In terms of technology, how do you think street photography has changed since the 60s and 70s, which many consider its heyday?

Cheryl Dunn: You know, photography’s not that old as a medium, and definitely not in being considered as art. It was definitely a heyday because there was so much new, so much valuable material. Now the materials are being taking away, in a sense. The traditional materials are disappearing. Most of the street photographers back then were shooting their film, processing their film, printing their pictures in a darkroom – really working from A to Z through all the stages, from putting your film in the camera to presenting a print. That’s a long process – a handmade process. That’s obviously the big difference between then and now, but I think there’s also always going to be traditionalists, always going to be a backlash of not wanting your picture to look the same as everyone else’s pictures.

There’s consumer practice and there’s art practice. The first will go with technology and the second may utilise it, but travels in its own direction and at its own speed.

I think there’s definitely amazing stuff happening just because of the ease at which people can do it – especially with camera phones, as everybody has one.

DD: You mentioned camera phones earlier. what kind of an impact do you think its arrival has had on the genre?

Cheryl Dunn: A friend of mine told me that when she started shooting digital cameras she shot a million more frames, but never printed them. There was so many that she never even dealt with them anymore, never making albums or prints like she had before. Now with camera phones, you carry your pictures around with you and you use the phone to actually share them – sharing moments and experiences. I think in that sense, the pictures take on a bigger role in your life. When it was just digital cameras, it was more distant in people’s life.

DD: The traditional argument is that the image has become more ephemeral, but I guess in that sense it becomes more valuable when it’s curated and presented, for instance online or through apps?

Cheryl Dunn: Yeah, it’s serving more of a purpose. And it means even though it’s going forward, emotionally, you’re reverting backwards a little bit.

DD: So devices such as the camera phone can also expand the possibilities of photography?

Cheryl Dunn: Well, photography started just as a document. People used to paint stuff as a record, then photography came around, and for a long time people still just considered it as a record – it wasn’t art. Now you have all these apps being created that emulate darkroom effects that take years and years to perfect. In one way that renders everything I spent my whole life doing obsolete, but on the other hand, that technology has created a million more people who are into photography, because they’re participating in it – however easy what they’re doing is. To me that has to be a good thing, because it means more people are interested in the medium, in the history of it. They’re not just looking at photographs, but engaging with it. I hope it translates into trying to understand how we got to where we are. One of the things I wanted the film to do, besides being a sort of love letter to New York, is to stress the fact that it’s important to document your surroundings and your friends. It’s important to have records of things – important to history, and important to people.

Everybody Street will be screened at the Raindance Film Festival, 25th September - 6th October 2013.

Click here to vote for your favourite entry in the Nokia Lumia 925 Low Light Photography Competition, our search for the best street photographer and their low-light shot. The one with the most votes gets a -en Nokia Lumia 925, best camera-phone on the planet. With enhanced software, Carl Zeiss lens and effective ISO settings, it can shoot up to 3200, making it perfect for street photography.


Watch Cheryl Dunn’s Dash Snow Documentary Online

Cheryl Dunn’s Moments Like This Never Last made its debut yesterday as a part of the 2020 DOC NYC film festival. It’s an intimate piece on the life of graffiti legend turned art world darling, Dash Snow. The story is told via archival footage, and interviews with those that knew him best, including: Leo Fitzpatrick, Jason Dill, Larry Clark, Kunle Martin, and many more.

Dash Snow rejected a life of privilege to make his own way as an artist on the streets of downtown New York City in the late 1990s. Developing from a notorious graffiti tagger into an international art star, he documented his drug- and alcohol-fueled nights with the surrogate family he formed with friends and fellow artists Ryan McGinley and Dan Colen before his death by heroin overdose in 2009. Drawing from Snow’s unforgettable body of work and involving archival footage, Cheryl Dunn’s exceptional portrait captures his all-too-brief life of reckless excess and creativity.

This rare glimpse into the Lower East Side scene circa 9/11 is screening for $12 via the DOC NYC site through November 19.


Se videoen: Cheryl Dunn Leads a Vision Walk in NYC