Hvorfor gik fedtet ind og ud af mode?

Hvorfor gik fedtet ind og ud af mode?

Jeg gjorde et meget kontraintuitivt fund. Wikipedia siger:

Greaves var almindelige indtil omkring det niende århundrede, hvor de stort set forsvandt. Der er ikke meget tegn på deres anvendelse før i andet kvartal af det trettende århundrede.

Hvis chausses gjorde dem forældede, hvorfor dukkede de så op igen? Var chausses foretrukne af fleksibilitet? Blev de gjort ineffektive ved indførelsen af ​​mere tilspidsende sværd eller polarmar?


Greaves udviklede sig faktisk i senere middelalder som en komponent i fuld plade rustning. Så i dette specifikke eksempel var "genoptræden" af greve stort set bare en del af den generelle fremgang fra post til tallerkenpanser. På trods af den delte navngivning var disse tallerkenfetter meget anderledes end skinnebenene i mørketiden eller antikken. Det er mere præcist demi-fedt.

Motivationen var naturligvis den bedre beskyttende værdi af tallerken. I det meste af middelalderen leverede kædepost "god nok" beskyttelse, samtidig med at den bevarede en anstændig fleksibilitet. Men med tiden eroderede våbenfremskridt uundgåeligt deres beskyttelsesværdi.

Skjolde blev støt mindre og mere manøvredygtige. Mail havde fordele ved stor fleksibilitet og modstand mod skærende slag. Men den var sårbar over for stålspidsede pile og kunne ikke modstå at knuse slag.

Frankrig, John, red. Middelalderkrigførelse 1000-1300. Routledge, 2017.

Da det blev teknisk muligt at fremstille dem, erstattede tallerkenpanseren derfor hurtigt posten for dem, der har råd. Det er klart, at pladepanser kun kunne beskytte, hvad det faktisk dækkede. Det var således helt logisk for rustningen at strække sig nedad til hele foden.

En anden medvirkende faktor, der er nævnt i ovenstående citat, er, at større skjolde generelt var faldet i unåde i denne periode. På grund af deres uhåndterlighed blev de betragtet som mere impedans end hjælp på slagmarken. Dette betød imidlertid, at underbenene, især for monterede tropper, var særligt sårbare og kræver separat beskyttelse.

I modsætning hertil var de tidligere drageskjolde, som dem, der er afbildet i Bayeux -gobelinen, meget større og aflange. Dette betød, at de kunne bruges til at afskærme underbenene ..

Faktisk var dette ikke første gang skjolde påvirkede brugen af ​​fedtstoffer. I det gamle Rom,

Samlet set var den romerske rustning i det første århundrede fvt ikke så meget anderledes end den antikke græske rustning; kun skjoldet adskilte sig markant ... skjoldets form og øgede størrelse betød, at bæreren ikke behøvede at bære fedt (rustning til underbenene) som grækerne havde, hvilket resulterede i en større grad af bevægelsesfrihed og derfor hurtighed.

DeVries, Kelly og Robert Douglas Smith. Middelalderlig militær teknologi. University of Toronto Press, 2012.


Den mest undertrykkende mode gennem hele historien

I store dele af historien har kvinder levet som andenrangs borgere. Amerikanske kvinder fik først stemmeret i det tyvende århundrede. Så sent som i 1970'erne kunne en kvinde nægtes et kreditkort, medmindre det havde sin mands underskrift. Den frihed, vi nyder i dag, er en forholdsvis ny ting, vores bedstemødre levede i en æra med færre rettigheder, og de generationer, der kom før dem, havde det endnu værre.

Bortset fra at have færre juridiske rettigheder, havde kvinder tidligere også færre modevalg. Så sent som i 1940'erne kunne kvinder blive anholdt for at have bukser på offentligt, da de blev betragtet som herretøj. I dag har kvinder langt flere muligheder for at bære tøj, der både er behageligt og udtrykker deres personlige stil. Historiske muligheder var imidlertid ret begrænsede - og ofte undertrykkende. Nogle af de mode, kvinder har været udsat for gennem historien, har været ubehagelige, restriktive og ligefrem farlige. I nogle tilfælde kan historiske modetrends endda være dødelige. Her er nogle af de mest undertrykkende modetrends, der har eksisteret gennem historien.


Korsetter i mode: En fuld historie

Har du nogensinde spekuleret på, hvordan korsettet har set ud gennem historien? Oplev den fulde guide til korsetter inden for mode, der starter så tidligt som 1600 f.Kr.

Korsetter har længe haft en rig historie inden for modeindustrien. Brugt i hundredvis, muligvis endda tusinder af år, har korsettet ikke kun været brugt af praktiske årsager, men også som en fashion statement. Læs videre for at opdage korsets historie inden for mode, fra meget tidlige eksempler helt frem til det 21. århundrede ...

Det første indspillede korset ...

Det første kendte registrerede eksempel på et korset, der er båret til modeformål, stammer tilbage fra minoiske folk på Kreta, Grækenland. Billeder malet på gammel keramik viser både mænd og kvinder iført passende pasformsseler omkring taljen, komplet med veste med læderringe eller stropper. Bælterne og vestene er malet i guld, og er omdrejningspunktet, der skaber et iøjnefaldende fashion statement.

Det 15. århundrede…

Selvom vi forstår, at korsetter måske var blevet brugt allerede i 1600 f.Kr., har vi fra det 15. århundrede og fremefter bedre optegnelser over den type korsetter, der var på mode. I løbet af 1400 -tallet blev en korsetlignende beklædningsgenstand kaldet en 'cotte' først gjort populær i Frankrig. Cotten havde en lignende form som de korsetter, som vi kender i dag, men den gav ikke megen dækning af bysten og havde en firkantet udskæring med brede stropper for at afsløre den øvre buste og kraveben.

Korsetter blev mere afslørende i 1400 -tallet. Agnes sorel, elskerinde til Charles VII fra Frankrig ændrede korsettets historie, da hun bar en kjole i fransk domstol, der afslørede hendes bryster. En trend begyndte, og franske kvinder begyndte at åbne deres korsetter for at afsløre deres bryster. Lidt senere startede en anden trend - viser lænden, og derfor havde kvinder korte korsetter på og ville skære deres kjoler op for at vise dette.

Det 16. århundrede…

I løbet af 1500 -tallet steg moden til en slank talje yderligere, da Catherine de Medici forbød 'tykke taljer' ved retten. Dette betød, at velhavende kvinder i offentligheden forventedes at bære korsetter hele tiden. Korsetterne i det 16. århundrede blev snøret foran og bagpå, med et dekorativt panel kaldet 'maver' for at skjule snørebåndene.

I Spanien i det 16. århundrede brugte korsetter en træ- eller knoglestang kaldet en 'busk' foran, hvilket skabte en flad form. I England brugte 'Tudor Corset' jernkorsetbetræk, mens en mindre stiv stil i Tyskland og Italien var at foretrække.

Denne tids korsetter blev designet til at flade taljen og skubbe brysterne op. Mange havde skulderstropper og klapper i taljen. De blev brugt sammen med en 'farthingale', der ville holde nederdele ude i en stiv form. Korsetter blev ikke skjult under yderligere lag, i stedet blev de båret stolt og lavet af smukke stoffer med mønstre og trim.

Det 17. århundrede…

I hele det 17. århundrede blev korsetter hovedsageligt fremstillet af hør, med siv eller hvalben for at tilføje struktur. På det tidspunkt var det på mode at have en fremtrædende buste, og derfor var korsetter med til at fremhæve dette og sætte mere fokus på dekolletagen.

Korsetter blev undertiden båret med vedhæftede ærmer, og stilarterne bliver meget dekorative. Blonder blev brugt stærkt på korsetter fra 1600 -tallet, og nogle kvinder ville endda tilføje ekstra bånd for at forbedre stilen yderligere. Korsettets form i løbet af denne tid bød på en lang spids busk, og stilarterne blev typisk snøret på bagsiden, ligesom dagens korsetter. Lidt senere i 1600 -tallet faldt korsetter kortvarigt ud af mode os udbenede kjoler blev populære, og det er usandsynligt, at kvinder ville have brugt en udbenet kjole såvel som et korset.

Det 18. århundrede…

Moden til en slank talje udviklede sig endnu mere i 1700 -tallet med større efterspørgsel efter en indsnævret form. På grund af dette blev korsetter fremstillet af stift materiale ved hjælp af hvalben eller stok til støtte. Det 18. århundredes stil var lav talje og skåret smalt bagpå og bredt foran. Korsetter havde skulderstropper, og moden var at bruge stropperne og korsettet til at trække skuldrene tilbage, indtil de næsten rørte ved.

Korsetterne havde typisk faner, som blev lavet ved at lave udskæringer fra underkanten og op til linningen. Dette gav hofterne mere plads, mens de stadig trak i taljen og skubbede brystet opad. Meget dekorative korsetter var stadig på mode ved hjælp af silkebrokade og guldbeklædning. Mod slutningen af ​​1700 -tallet begyndte korsetterne at blive kortere og taljen blev højere.

Det 19. århundrede…

Både langline og kortere korsetter blev brugt i løbet af 1800 -tallet og var lavet af satin, bomuld eller silke. Korsetter blev ofte givet som gaver til kvinder af deres ægtemænd. Nogle korsetter fra det 19. århundrede ville bruge hele 60 hvalben til at skabe en illusion af en lille talje.

I løbet af denne periode blev den forreste fastgørelsesbusk introduceret i 1848, hvilket for første gang satte kvinder i stand til let at tage hendes korset på selv. Den nye busk havde bløde kurver for at følge kroppens naturlige linjer.

Det 20. århundrede…

I begyndelsen af ​​det 20. århundrede skiftede fokus på at skabe en lille talje, og i stedet ønskede kvinder at minimere deres mave og hofter. På grund af dette ændrede korsetstile sig ganske dramatisk, og den første underbust korset nogensinde blev introduceret. Korsettets talje sad lige over den naturlige talje, og korsetter blev skåret langt og lige i kroppen. Stilarterne blev meget lange og sluttede ofte ved midten af ​​låret. Korsetstile var enkle, da de nu blev brugt under tøjet og diskret. I 20’erne blev mere afslappede former og lige linjer populære. Flapper kjoler betød, at en drengeform var ønskelig, og derfor ændrede korsetter sig lidt for at slanke hofter og lår så meget som muligt. Denne tids korsetter blev båret under tøj og fastgjort foran og bagpå. En række forskellige stilarter blev tilgængelige, såsom 'sportskorset' og 'hofteindeslutninger'.

Frem til 30’erne og 40’erne var korsetterne stadig lange, men begyndte at omfatte indbygning i brassieres. Kendt som hele kroppen korset, blev denne stil stadig brugt diskret under tøj. Fra 50’erne og fremefter begyndte mode at ændre sig i et hurtigt tempo, og dette oplevede korsettet mere som en specialbeklædning i stedet for at blive brugt som et vigtigt hverdagstøj.

I dag bæres korsetter stadig af entusiaster. Selvom de ikke betragtes som dagligdags, betyder fremskridt inden for teknologi og fremstilling, at nutidens korsetter er af bedre kvalitet end nogensinde før. I det 21. århundrede bæres korsettetoppe som overtøj, hvorimod mere traditionelle korsetter kan bruges som et statement -stykke eller som undertøj for at reducere taljen og give støtte.

Gennem årene har forskellige designere brugt korsetter som en del af deres kollektion, fra mere traditionelle stilarter til at genopfinde denne historiske beklædningsgenstand.


9 Hvor gammel skal nåde være?

Hvad nogle nye fans ikke er klar over, er, at der er en God heks film, der udkom i 2008, syv år før serien ramte tv -show. Filmen var sådan et hit, at Hallmark gjorde den til sin egen serie.

I Den gode heks film, fortalte Brandon og Tara Cassie, at de ville giftes om to år, hvilket var lige efter, at Grace blev født. Dette ville betyde, at Grace ville være omkring to år ved brylluppet. Men når de bliver gift, er Grace omkring fem år gammel og er klar til skole! Endvidere i den første sæson af Den gode heks kun fem år skulle være gået. Hvis det er tilfældet, hvordan er Grace 15 år gammel!


Traditionel Wisconsin gammeldags

Aubrey Dodd, mixolog, Badger Liquor

Genoptrykt fra Wisconsin -cocktails af Jeanette Hurt med tilladelse fra University of Wisconsin Press. © 2020 af Board of Regents ved University of Wisconsin System. Alle rettigheder forbeholdes.

1 til 3 sukkerterninger
2 streger Angostura bitters eller andre bitters
1 orange kile
1 kirsebær, gerne beskidte kirsebær
2 oz. brandy
1 til 2 oz. citron-lime sodavand, sur sodavand og/eller seltzer

GLAS: sten eller gammeldags
Pynt: orange kile og kirsebær på en tandstikker

Læg sukkerterningen i bunden af ​​dit gammeldags glas (også kaldet en kort tumbler eller lowball eller stenglas). Stænk bitterene oven på terningen eller terningerne. Tilsæt derefter appelsinskiven og kirsebær og brændevin, og bland blandingen sammen, indtil den bliver til en fugtig, kornet blanding og omkring fem eller seks gode knusninger med en mudder burde gøre det. Og det er vigtigt ikke bare at forvirre den frugtagtige del af appelsinskiven og at rodet skrællen frigiver olierne og tilføjer aromater til drikken. Tilsæt is og top med citron-lime sodavand, sur sodavand og/eller seltzer. Til en gammeldags sød, brug citron-lime sodavand.

For en gammeldags sur, brug en sur sodavand, såsom Squirt. Til en gammeldags sodavand skal du bruge seltzervand, og til en gammeldags presse bruge en halv seltzer og en halv citron-lime sodavand. Pynt med endnu en appelsinskive og kirsebær på en tandstikker.

Gastro Obscura dækker verdens mest vidunderlige mad og drikke.
Tilmeld dig vores e -mail, leveret to gange om ugen.


Historien om Knott & aposs Berry Farm Forlystelsespark

Janey Ellis |

I år markeres 100 -året for Knott's Berry Farm, og det er et perfekt tidspunkt at reflektere over gårdens unikke historie. Det er en utrolig historie om hårdt arbejde og lykkelige ulykker, der resulterede i Amerikas første forlystelsespark.

I december 1920 kørte familien Knott deres Model T Ford fra det centrale Californien til Buena Park for en ny start med Walter Knotts fætter Jim Preston, en erfaren bærbonde. Sammen lejede de jord fra William H. Coughran og Walter begyndte at dyrke bær.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

På trods af en frost, der dræbte Walters første afgrøde, vedblev han, og i 1923 kunne han bygge et stativ ved vejkanten på Grand Avenue og sælge sine bær. Gennem hårdt arbejde var familien Knott i stand til at købe deres jord i 1927 og bygge et hjem året efter sammen med et permanent Berry Market, der erstattede det enkle vejstativ. Sammen med markedet var der en planteskole til salg af planter og endda et lille tesal, hvor Walters kone, Cordelia, solgte sandwich, syltetøj og tærter lavet af gårdens bær. De kaldte det Knott’s Berry Place.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

Den store depression tog fat i Amerika i 1929, hvilket fik jordpriserne til at falde, og selvom Knott -familien knap nok fik enderne til at mødes, fordoblede Walter sig og købte mere jord for at udvide sin gård.

Midt i den store depression lavede Walter et navn for sig selv med sine bær, og i 1932 hørte en mand ved navn George M. Darrow om en overlegen bær, der siges at være skabt af en "Mr. Boysen. ” Darrow regnede med, at Walter ville vide dette. Boysen på grund af deres gensidige interesse for bær, men Walter indrømmede, at han ikke gjorde det, men foreslog, at de skulle slå Boysen op i telefonbogen. Dette førte dem til Rudolph Boysen i Anaheim. Boysen indrømmede at have eksperimenteret med bær, men efterlod dem på sin tidligere ejendom. Sammen fandt de tre mænd Boysens længe glemte bærplante i en grøft dækket af ukrudt og uden bær. Boysen sagde, at planten var en krydsning mellem en rød hindbær, brombær og loganbær. Efter at have fået tilladelse fra de nye ejere tog Walter stiklinger tilbage til Buena Park for at plante og dyrke. Et år senere havde Walter en velkommen overraskelse - massive bær! I 1934 havde Walter nok stiklinger og bær til at introducere det nye boysenbær som et kommercielt produkt, og Cordelia indarbejdede det nye bær i hendes tesalgsmenu. Bær, syltetøj og tærter var et øjeblikkeligt hit! Denne nye bær havde intet navn, og mens Walters venner sagde, at han skulle kalde den efter sig selv, valgte han i stedet at ære bærens skaber og kaldte den boysenberry.

Knott -familien kæmpede sig igennem den store depression, men i 1934 havde Cordelia en idé, der ville ændre alt. På en juniaften lavede Cordelia otte stegte kyllingemiddage til sine tesalongæster. Serveret sammen med salat med rabarber, kiks, grøntsager, kartoffelmos med sovs og bærtærte på familiens bryllupskina kostede middagen 65 øre. Walter mindede om, at øjeblikket var "vendepunktet i vores økonomiske liv." Det var virkelig vendepunktet, der ville omdanne en gård til en forlystelsespark.

Ord spredte sig om denne lækre stegte kylling, og snart flokkedes folk til den lille gård og tesalonen i Buena Park. Den lille spisestue sad oprindeligt 20, og i 1935 udvidede de den til 40, kun for at skulle udvide den igen året efter til at rumme 70. Cordelias lille te-værelse var blevet en fuldgyldig restaurant, og da de udvidede til 350 sæder regnede med, at folk ikke længere skulle vente, men det gjorde de!

I 1939 satte Walter og Cordelias datter, Virginia, i et forsøg på at give de ventende noget at gøre, et kortbord op med små gaveartikler til salg. Efterhånden som restauranten voksede, voksede Virginia's virksomhed, og modtog sin helt egen gavebutik, der stadig er der i dag.

Det var ikke uhørt for sultne gæster at vente over tre timer på et bord, og snart blev der installeret en højttaler. Men bortset fra at have gennemgået Virginia's tilbud, hvad var der at gøre under den lange ventetid? Walter begyndte at komme med nogle ideer. Han begyndte med nogle antikke musikbokse, derefter byggede han en klippehave med et vandfald ved hjælp af vulkansk sten fra Death Valley. Han byggede en lille scene med en historisk møllesten og vandhjul med et skilt, der opmuntrede dem, der ventede på at synge "Ned ved den gamle møllestrøm." Ved siden af ​​tilføjede han en rekreation af George Washingtons pejs fra Mount Vernon. Vandfaldet, møllestenscenen og pejsen er stadig på gården, der ligger bag Berry Market. Han byggede videre en lille vulkan for at blokere et rør, der blev "kørt" af en lille djævel, der drejede en håndsving. Han tilføjede en honningbi, forstenet træ, fluorescerende klipper, der glødede under sortlys - alt hvad han syntes var underholdende, regnede han med at andre også ville.

Foto med tilladelse fra jericl Flickr

Inspireret af sin mor og hendes rejse til Californien i en overdækket vogn i 1868 besluttede Walter at gå endnu større med sine ideer. Denne gang ville han bygge en spøgelsesby for at underholde de fjerkræbehovede lånere. I 1940 begyndte byggeriet på det, der ville blive Main Street. Walter var på jagt efter alt det gamle vest og købte stumper af gamle bygninger, buggies, værktøjer og mere. Han brugte disse til at bygge en salon, lensmandskontor, assaykontor, barbershop og mere! Midtpunktet var Gold Trails Hotel, der blev bygget ved hjælp af stykker fra et gammelt hotel i Arizona. Gold Trails Hotel var slet ikke et hotel - i stedet husede det en cyclorama af en overdækket vogn og fortalte historien om pionerer mod vest. Folk, der ventede på deres borde, var så fortryllede af Walters Ghost Town, at højttalersystemet måtte udvides for at ringe tilbage til deres bordreservation.

Inden han vidste af det, havde Walters Ghost Town vokset sit eget liv, og folk kom bare for at besøge Ghost Town. Walter hyrede en række skuespillere til at befolke hans faux vestlige by og underholde gæsterne. Med kreativ hjælp fra designer og maler Paul Von Klieben udvidede Ghost Town med farverige og underholdende bygninger. Billedhugger Claude Bell hjalp også med at befolke Ghost Town med betonstatuer, herunder Handsome Brady og Whiskey Bill, samt de charmerende dansere Marilyn og Cecelia. Begge par blev et varmt fotopunkt for alle, der besøger og er fortsat et i dag.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

I 1947 navngav Walter sin ekspanderende virksomhed Knott’s Berry Farm, og i samme år ankom Pan for Gold. Stadig en populær attraktion i dag, kunne gæsterne få fat i en gryde som minearbejdere tilbage i 1849 for at sigte efter og tage ægte guld med hjem. Vognlejren fulgte hurtigt efter og blev et premierested for gratis underholdning fra country- og vestlige entertainere.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

1950'erne oplevede en massiv udvidelse af Ghost Town med tilføjelsen af ​​Calico Saloon, Ghost Town & amp; Calico Railroad (den sidste smalsporede jernbane i Amerika) og skolehuset. Mens mange af Ghost Towns bygninger blev oprettet, var skolehuset en rigtig bygning bygget i 1879 og flyttet til gården fra Kansas. Boot Hill kirkegård blev også tilføjet samt Bird Cage Theatre, dens facade en kopi af den i Tombstone, Arizona. I 1954 åbnede Bird Cage for vaudeville- og melodramaforestillinger, hvor Steve Martin og Dean Jones kunne starte. Og før årtiet var ude, blev Haunted Shack føjet til parken.

Foto med tilladelse fra jericl Flickr

Tingene gik virkelig i gang, da Wendell “Bud” Hurlbut ankom til gården. Hurlbut designede og byggede forlystelser og blev inviteret til at blive koncessionshaver på gården med sin historiske Dentzel -karrusel og senere en lille biltur. Hurlbuts venskab med Walter Knott voksede, og med meget tillid og en håndtryksaftale konstruerede Hurlbut to attraktioner, der ville løfte gården til nye højder, Calico Mine Ride og Timber Mountain Log Ride. Hurlbut og et utroligt team skabte Calico Mine Ride med vidunderlige huler af skønhed sammen med hårde og tumble minearbejdere fra gamle dage, der åbnede i november 1960. Turen var også den første nogensinde med en skjult switchback-kø, som har fortsat med at blive standard inden for design af forlystelsesparker.

Foto med tilladelse fra jericl Flickr

Da Ghost Town fortsatte med at ekspandere, vaklede Walter aldrig fra sin passion for historie- og uddannelsesbaserede attraktioner. Han indbragte Marion Speer's enorme Western Trails Museum, Mott -familiens miniaturemuseum, et boksemuseum i pugilisten Jim Jeffries 'lade, og snart ville han tilføje endnu et massivt uddannelseselement, en nøjagtig kopi af Independence Hall. Hurlbut tog sammen med andre fra gården til Philadelphia for at fotografere, måle og tage rigelige notater om hver detalje. Hurlbut tog endda en barbering fra Liberty Bells indre, så Walter kunne genskabe klokken helt ned til materialet. Independence Hall åbnede den 4. juli 1966 for stor fanfare og er stadig en kilde til inspiration og uddannelse i dag.

I 1967 begyndte Walter og Cordelias yngste datter, Marion, at hjælpe sin far med Ghost Town -operationer. Siden 1941 kunne gæsterne strejfe ind og ud af Ghost Town og gå rundt i området gratis og kun betale, hvis de ville ride eller købe noget. Alligevel blev det i 1968 besluttet at lukke parken og opkræve et entrégebyr på en dollar.

Året efter meddelte Marion, at Knott's Berry Farm ville udvide, men bevæge sig forbi ideen om bare en spøgelsesby. Inspireret af tidene i det tidlige Californien blev Knotts nye temaland kaldet Fiesta Village. Mens planlægningen af ​​Fiesta Village var i gang, åbnede Calico Log Ride (nu Timber Mountain Log Ride) den 11. juli 1969, den første bjælketur i USA med cowboystjernen John Wayne som ceremonimester.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

Med succesen med Fiesta Village og Calico Log Ride søgte Marion at tilføje et andet temaområde for at udvide parken og besluttede sig for et sigøjner tema og kaldte det nye område for sigøjnerlejr. Gypsy Camp åbnede 28. maj 1971, og gæsterne udforskede huler for at finde en magisk butik, spillehal, få fortalt deres formue og nyde musik fra farverigt iklædte musikere fra en udendørs scene bygget over hulerne. Ghost Towns udendørs Wagon Camp viste sig at være for lille og rustik til at trække store artister, så Marion føjede John Wayne Theatre til Gypsy Camp. Det nye teater med 2.150 sæder gav et vidunderligt, indendørs sted og var endda vært for filmpremieren på Waynes film Big Jake den 19. juni 1971. I årenes løb tog utallige entertainere sig på scenen, og isshows udnyttede dets indbyggede , skøjtebane. Da større stjerner fyldte det nye John Wayne Theatre, blev Wagon Camp hjemsted for et stuntshow, der fortsat begejstrer gæster den dag i dag.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

Oktober havde altid været en langsom tid i parken, og i september 1973 kom folk fra marketing og underholdning med en idé, der ville ændre Knott for evigt-en tre-nat Halloween-begivenhed kaldet Knott's Halloween Haunt. Medarbejdere i monstermake-up og kostumer fik besked på at løbe rundt i Ghost Town og skræmme gæster. Haunted Shack blev omdannet til "Monster Maze." Calico Mine Ride og Log Ride fik også en frygtelig behandling. Arrangementet var en øjeblikkelig succes, og det vendte tilbage næste år og blev udsolgt hver nat. I sit tredje år modtog begivenheden tilnavnet "Knott's Scary Farm." Siden da er Scary Farm, den længste Halloween-begivenhed i en forlystelsespark, blevet udvidet til at omfatte hele parken med 1.000 monstre og flere labyrinter.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

Midt i succesen med Scary Farm mistede gården sin matriark, kvinden der var ansvarlig for at gøre en lille bærgård til et ikon i det sydlige Californien. Den 23. april 1974 døde Cordelia, 84 år gammel.

Mellem Scary Farms succes og sorg over Cordelia fløj Gypsy Camp. I slutningen af ​​1974 meddelte Marion, at Gypsy Camp ville blive opgraderet og blive til et område kaldet de brølende 20’ere. Selvom 1920'erne i starten måske virkede som et underligt valg, afspejlede det Walters beslutning om at bygge en spøgelsesby i det gamle vest. Marion beskrev det: ”Ligesom min fars Ghost Town var et mindesmærke for hans forældre, ønskede vi, at vores nyeste område skulle være et mindesmærke for mor og far. De brølende tyverne var jo deres æra. ”

Området Roaring 20s åbnede 6. juni 1975. Som en del af re-temaet blev John Wayne Theatre omdøbt til Good Time Theatre. Det nye område var også gårdens første angreb i rutsjebanernes verden med Corkscrew, verdens første moderne 360-graders rutsjebane. Unikke attraktioner som Knott's Bear-y Tales, Sky Cabin og Wacky Soap Box Racers ville følge. Inden 1970’erne var slut, blev der tilføjet en anden rutsjebane, denne gang i Fiesta Village, med Montezooma’s Revenge.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

I 1981, efter 61 års total familiekontrol, ansatte Knott-familien Terry Van Gorder, det første ikke-familiemedlem til at være præsident og administrerende direktør, men Marion og andre medlemmer af Knott-familien forblev involveret. Ved udgangen af ​​året droppede gården deres kuponbogskort til en altomfattende tur og entrébillet. Året havde endnu et milepælsøjeblik den 3. december, da Walter bare døde en uge før sin 92 -års fødselsdag.

80'erne ville se endnu en stor tilføjelse til gården, Snoopy og Peanuts Gang. Imidlertid kan deres ankomst til parken faktisk spores helt tilbage til 1960, da illustrator Pete Winters fik til opgave at komme med et karakterikon til Knotts. Resultatet var en glad gammel prospektør med et hvidt skæg, der ganske enkelt hedder "The Old Timer", og han optrådte på forskellige medarbejderpapirer, billetbøger, parkskiltning og mere. I 1973 besluttede gården at gøre "The Old Timer" til en walk-around karakter og kaldte ham Whittles. Ubehageligt proportioneret var Whittles simpelthen bedre egnet til siden og ikke som en virkelig karakter. "Det fungerede ikke ... Han skræmte børnene," bemærkede Russell Knott. Dette fejltrin stoppede ikke gårdens ønske om et ikon og en walk-around karakter, og de besluttede, at de måske skulle prøve at sikre et allerede etableret, velkendt, familievenligt ikon.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

Ron Mizaker havde til opgave at finde og sikre det nye ikon, og da karaktererne fra Charles M. Schulz 'tegneserie Peanuts allerede lavede sponsorarbejde, vidste Mizaker, at der var en mulighed for dem at deltage i gården. Mizaker mødtes med Schulz oppe i Santa Rosa, og midtvejs i deres møde sagde Schulz, at han var nødt til at gå til sin datters skøjteløbsøvelse på skøjtebanen, som familien Schulz ejede, og som lå lige på den anden side af gaden. Schulz inviterede Mizaker til at slutte sig til ham. Under øvelsen informerede Mizaker Schulz om skøjtebanen inden for scenen i Good Time Theatre og sagde: "Ville det ikke være godt, hvis vi lavede et isshow med Snoopy?" Schulz kunne lide ideen og spurgte "Kan min datter være Snoopy?" Mizaker sagde, at de kunne finde ud af det, og det blev grundlaget for aftalen for at få Peanuts -banden til at slutte sig til gården. Snart ankom Snoopy og firma for at møde gæster, og i 1983 besluttede Knott's at give Peanuts deres helt eget område på gården og udvide Knott igen for at oprette Camp Snoopy.

Foto med tilladelse fra Orange County Archives

Da 80'erne fortsatte, ankom to nye attraktioner. Bear-y Tales-familien forlod det brølende 20’er-område og blev erstattet med forhistoriske væsner i Dinosaurernes kongerige i 1987. Året efter bragte historier om et behåret væsen folk til at udforske og blive gennemblødt på Bigfoot Rapids.

Spændingen, mysteriet og sjov fortsatte ind i 90'erne. Boomerang rutsjebanen erstattede Corkscrew det unikke, den spændende Mystery Lodge ankom, og Jaguar brølede ind i Fiesta Village. De brølende 20'ere fik en fornyelse og blev omdøbt til Boardwalk og hyldede solen, sandet og havet på det sydlige Californiens strande. Gæsterne løb mod hinanden i en anden ny rutsjebane, Windjammer, der erstattede Wacky Soap Box Racers i 1997. Samme år markerede også den største ændring af gården, siden Cordelia serverede sin stegte kylling - efter 78 års familieejerskab, Walter og Cordelias børn og børnebørn solgte Knott's Berry Farm til Cedar Fair.

Alligevel før årtusindet ville der blive tilføjet flere spændende attraktioner til gårdens voksende skyline, med coasters Supreme Scream, GhostRider og Pony Express, den første "cykelcoaster" i USA.

I 2000, for at ære skaberen af ​​de elskede Peanuts, blev Good Time Theatre omdøbt til Charles M. Schulz Theatre og fortsætter med at vise utroligt sjove shows, der ofte inkluderer medlemmer af Peanuts -banden.

Berg- og dalbaner fortsatte med at komme ind på gården, hvor Windjammer blev erstattet af Xcelerator og tilføjelserne af Silver Bullet og Sierra Sidewinder. Men gamle favoritter blev ikke glemt. I 2013 blev Ghost Town's Log Ride renoveret og genåbnet med nye animatroniske figurer. Calico Mine Ride fulgte trop i 2014, og Camp Snoopy modtog mange nye, familievenlige tilføjelser.

Ledig siden 2004, pladsen, der engang husede Knott's Bear-y Tales og Kingdom of Dinosaurs, bød velkommen til en ny, interaktiv attraktion, Voyage to the Iron Reef, i 2015. Året efter ankom endnu en utrolig unik og interaktiv tilføjelse til gården, Ghost By i live! Oprindeligt var den karakterdrevne historie og dens mange skuespillere beregnet til at vare en sommer for at fejre 75-årsdagen for Ghost Town, men det resulterede i en vidunderlig, årlig tradition. For the first time since their construction, you could walk into the charming peek-ins that Walter had developed to entertain those waiting for their tables at Mrs. Knott’s Chicken Dinner Restaurant and participate in your very own wild-west story with the various citizens of Ghost Town. Ghost Town Alive! has returned each summer and continues to charm guests young and old, becoming a delightful attraction itself.

More recently, new thrills arrived with Sol Spin and Hang Time, the first dive coaster in California. Ghost Town continued to receive updates and revamps as well when Big Foot Rapids being transformed into Calico River Rapids linking its storyline to the rest of Ghost Town. And this summer the Bear-y Family returns to the Farm with Knott’s Bear-y Tales: Return to the Fair.

It’s amazing that within one-hundred years a little, leased berry farm has transformed into one of the most popular theme parks in the United States, receiving awards, and winning over the hearts of everyone. Because of its age, Knott’s Berry Farm has a wonderful generational feel to it, where people can walk and enjoy the same sights that their parents and even grandparents enjoyed, while also continuing to experience new and thrilling things. There is certainly something for everyone and who knows what is in store for the next 100 years at Knott’s Berry Farm? Happy Anniversary, Knott’s!

To learn more about Knott’s Berry Farm’s incredibly history, be sure to read Knott’s Preserved!

Knott's Anniversary Ambassador

Janey Ellis is the writer behind the blog Atomic Redhead. There she shares interesting history, places to explore across Southern California and beyond, as well as her take on vintage fashion and home. She is very thankful to also have the wonderful opportunity to share her passion for amusement parks and history on the Knott's Berry Blog.


Menswear

The most significant development in men’s fashion occurred in two unique kinds of trousers: the Oxford bags and the plus-fours. Oxford bags grew in popularity around 1924-25 when undergraduates at Oxford adopted these wide-legged trousers. Though the origin of the style is contentious, it is generally agreed that it derived from the trousers that rowers on Oxford’s crew teams pulled on over their shorts, and you can see how The Bystander satirized this in 1924 (Fig. 2). The original style was about 22 inches wide at the bottom, several inches wider than the average men’s trouser leg. Oxford undergraduates began wearing these around the university and soon the style spread. As the style spread, so too did the width of the trouser legs until at one point they reached up to 44 inches wide. The trousers were made out of flannel and came in a variety of colors. They were mostly worn by youths – perhaps the male counterparts of the flapper – and became a favorite of Britain’s “Bright Young People,” a group of wealthy, aristocrats known for their antics in London’s nightlife.

The other development in menswear in the twenties was the plus-fours. Plus-fours developed out of ordinary knickers – short-legged trousers that gather around the knee – and like Oxford bags were a bit baggier version of their precursor. They had four extra inches of material (hence the name) but instead of extending the trouser leg, they still fastened around the knee and the extra material hung over the band, creating the baggy look as seen at a racecourse in 1920 (Fig. 3). Often worn with a sweater, plus-fours were popular golf attire, but much like how tennis-wear crept into casual womenswear, this style was also popular daywear for men, as was tennis-wear for men, too. You can see the casual way men dressed to play tennis, though some still wore ties in 1920 (Fig. 4).

Fig. 1 - Artist unknown. Fashion Plate, 1920-1939. New York: Costume Institute Fashion Plates. Source: The Met Digital Collections


5 Why Long Hair Became A Thing For Women

While hair trends have fallen in and out of fashion, one thing across cultures and millennia has remained fairly constant: the expectation that women would have long hair. We&rsquove seen it from the depiction of a long-haired Aphrodite to St. Paul&rsquos letter to the Corinthians, in which he wrote, &ldquoIf a woman has long hair, it is a glory to her.&rdquo

Kurt Stenn, author of Hair: A Human History, says that women almost always have longer hair than men. Men hvorfor?

According to Stenn, a former professor of pathology and dermatology at Yale, hair is highly communicative. It sends messages about sexuality, religious beliefs, and power. In particular, he believes that long hair can communicate health and wealth.

&ldquoTo have long hair, you have to be healthy,&rdquo Stenn says. &ldquoYou have to eat well, have no diseases, no infectious organisms, you have to have good rest and exercise.&rdquo He adds, &ldquoTo have long hair, you have to have your needs in life taken care of, which implies you have the wealth to do it.&rdquo [6]


Anbefalet læsning

Down the Rabbit Hole: The Surprising Tale of the Bunny Suit

The Internet Mocked Her as a Teenager. It’s Embracing Her Now.

The Dark Side of Fitness Culture

While sisters (of all ages) have been wearing the same clothes for centuries, mother-daughter dressing didn’t catch on until the early 1900s. The couturière Jeanne Lanvin launched the trend after giving birth to her only child, Marguerite, in 1897, at the then-advaced age of 30. Spotting a gap in the market, she debuted a high-end children’s line in 1908, using the same luxurious textiles and avant-garde styles that characterized her womenswear, albeit simplified for younger tastes and bodies. Marguerite served as her model and mini-me the inseparable pair were often spotted parading around Paris in coordinating couture outfits. A 1907 photo of the two of them in costume for a masquerade ball—complete with matching pointy hats—inspired the house’s stylized, Paul Iribe–designed logo, which is still used on its labels. Years later, Marguerite would confess that she found the attention embarrassing, saying: “As soon as I was dressed up all I wanted to do was hide.”

Lanvin’s creations were too expensive to have a widespread influence, and the Great Depression soon made such conspicuous displays of wealth undesirable, even for those who could afford them. But mother-daughter fashions surged in the late 1930s, partly driven by the Hollywood publicity machine. In 1935, for example, the actress Joan Bennett and two of her daughters posed for press photos in coordinating outfits. Because fashion production and retailing was strictly divided by age group, however, it took time for the trend to reach the mainstream. In July 1938, Liv magazine noted that “not until this summer did the mother-and-daughter custom really become popular.”

Liv nailed the appeal of mother-daughter dressing when it declared: “‘Look Alike’ means ‘Look Young.’” Unlike Lanvin’s kiddie couture, the mommy-and-me looks of the 1940s and ’50s were decidedly girlish, emphasizing the mother’s youthfulness rather than the daughter’s maturity. I hendes erindringsbog Mommie Dearest, Christina Crawford remembered posing for publicity photos with her adoptive mother, Joan, in the late 1940s, at the age of 8. “I had to get dressed in one of the many ‘mother-and-daughter’ outfits we were always photographed in … Mother and I would go through the whole day doing things for the camera and changing from one matching outfit to another.” Often, these outfits consisted of ruffled pinafores or skirts with suspenders worn over frilly blouses with puffed sleeves, with matching ribbons in their hair—clothes more appropriate for an 8-year-old than a grown woman. Tellingly, if a woman had more than one daughter, she was advised to twin with the youngest, according to Liv.

As the U.S. economy rebounded, Ladies’ Home Tidsskrift—one of the leading women’s magazines in America—had strong ideas about how the country could spend its new wealth. From 1939 into the early 1950s, the magazine published a series of covers illustrated by Al Parker, a contemporary of Norman Rockwell, depicting mothers and daughters in matching outfits engaging in household chores and leisure activities such as baking cookies, riding bicycles, raking leaves, knitting, skiing, and wrapping Christmas gifts. One memorable image portrayed a rosy-cheeked mother and daughter pair, ice skating hand-in-hand above the headline: “Is Society Committing Suicide Today?”

While Lanvin had thoughtfully adapted adult styles for juvenile clients, avoiding exact copies, Parker’s mothers and daughters were identically dressed from head-to-toe, including their hairstyles, coloring, and accessories like aprons, gardening gloves, and roller skates. These covers “were so wildly popular that readers were writing in asking for patterns,” Gordon said. Pattern companies as well as fashion magazines complied, offering mother-daughter sewing, knitting, and crochet patterns similar garments could also be bought ready-made from department stores or the Sears catalogue.

Far from petering out during World War II, the twinning trend only intensified. “During the war, there was an emphasis on the home front and everybody doing their part for the war effort, including daughters helping their mothers at home,” said Gordon. Home sewing was encouraged as a patriotic gesture, and mother-daughter outfits served as a kind of civilian uniform, projecting unity as well as efficiency.

While women entered the workforce during the war, they were put firmly back in their place once it ended during the postwar boom, mother-daughter fashions reinforced the primacy of the domestic sphere. As the large families and multigenerational households of the Victorian era were replaced by the small nuclear family, the mother-daughter bond grew stronger and more performative. “The whole idea of dressing multiple children in matching garments was more of an economic choice,” Gordon said. “But by the mid-20th century, mommy-and-me dressing was promoted as a special, fun thing rather than having a financial impetus. It was something that mothers and daughters could do together—not only wearing but making matching clothes.” A 1949 dressmaking manual, The Complete Book of Sewing, asked: “Why not make ‘mother-and-daughter’ dresses and conduct a family contest that the men of the family can cheer?”

Not everyone cheered such dressing, however. “Ladies’ Home Journal talked about it like it was the greatest thing since sliced bread,” Gordon said. “But there was this undercurrent of people criticizing it. Some designers loathed it.” Helen Lee, one of the leading children’s wear designers of the 1950s and ’60s, called it her “pet peeve,” explaining: “There’s a difference of 20 to 30 years between mother and daughter and in most outfits one or the other will look ridiculous.” Some magazines advised women not to match their daughters exactly, but many did anyway. Even Lee bowed to popular demand and created mother-daughter patterns for McCall’s, Gordon said.

The rise of the working mother in the 1970s effectively halted the mommy-and-me trend. Even women who didn’t work took their fashion cues from those who did, donning sophisticated wrap dresses, trouser suits, and midi skirts by the 1980s, “power dressing” trickled from the boardroom to the street. Lilly Pulitzer—one of the original purveyors of “mother-daughter matching”—shut down in 1984, only to be relaunched in 1993, when the retail market became more receptive to pastel printed sundresses.

Today, it’s once again “cool to be a mom,” Gordon said. Celebrities show off their adorably chic children to thousands of fans on Instagram and on the red carpet, while average parents can resort to Facebook and holiday cards. Fashion designers like Stella McCartney and Michelle Smith of Milly are modern-day Jeanne Lanvins, making public appearances with their children and designing children’s lines alongside adult clothing. Models like Coco Rocha and Cindy Crawford have shared the runway with their daughters.

These days, however, the mommy-and-me looks are usually store-bought. Indeed, with the likes of Gucci, Dolce & Gabbana, and, fittingly, the rebooted house of Lanvin getting into the luxury children’s wear market, they often come with decidedly grown-up price tags. But there are plenty of budget-friendly version, like Target’s recent collaboration with Victoria Beckham, or Drew Barrymore’s new line for Crocs.

Though a few halfhearted attempts to launch father-son fashions in the 1950s never really took off, family fashions have surged in recent years as many dads have become more hands-on. Often focused on holiday dressing, vacation clothes, or sleepwear, these collections—which are diversified enough to accommodate a broad range of ages and genders—offer a less literal interpretation of twinning, one intended for special occasions (or perhaps professional family portraits). Which is to say that “daddy, mommy, all my siblings, and me” might be the new mommy-and-me.


Like Sheep: Why Didn't You Fight?

A survivor's gives his personal answer to this often-asked question.

After the war, many people, especially American Jews, including some members of my own family, asked me why we never fought back. Why, for instance, when the learned, kind Dr. Bloch was being shot, didn't we start a rebellion and try to save him? Why did millions of Jews in Europe go passively to the camps and then to their deaths?

This logical question deserves an answer. When I was first brought to Kamionka, there were Russian prisoners of war whom the German army had captured a few months earlier. To make room for the transport of Jews, some of the Russians were sent to other camps and others were killed. Killing POWs was against the Geneva Convention, but the Germans were beyond abiding by any rules of civilized conduct. They had become utterly savage.

With my own eyes I saw the execution of POWs. Having been raised so close to the Russian border, I understood Russian and listened carefully to what the Russian POWs were saying as they were being selected for death. One man, about forty-five years old, was considered too old for a labor camp and so the Germans decided to shoot him. He stood tall and looked straight into the eyes of the German soldiers: "I have three sons in the Red Army. They are on their way. Remember, you will pay for this." And then the Germans shot him.

There was nothing the Russian could do in the face of many armed German soldiers. Polish soldiers, whose army had been swiftly defeated at the start of the war, faced the same situation. I saw four or five German soldiers control a thousand Polish POWs. Later on in Kamionka, a small number of Germans did whatever they wanted with Russian soldiers, men who had been trained to fight battles. High-ranking officers were reduced to powerless, ordinary men when confronted with the lowliest German soldier and a gun.

When the tide turned and the Germans began losing the war, I beheld the same sight in reverse: hundreds of mighty German soldiers, who only weeks before took life or saved it as their mood dictated, were now herded about passively by a few Russian soldiers with weapons.

These soldiers had all been trained to fight, to use firearms, to survive under the harshest conditions. If they could not resist imprisonment, how were we Jews &ndash a civilian population, with little or no firearm experience and no weapons, a tribe of merchants, artisans, scholars, women and children, all weak from starvation and exhaustion &ndash able to rebel against a well-equipped army? If you are under the gun, there is little you can do.

Certainly, there were a few, wonderful exceptions. The Warsaw Ghetto uprising, the first of its kind among a civilian population in Poland, is the most famous. Even in Warsaw, however, organizing to fight did not take place when there had been half a million Jews in the ghetto. Only when almost the entire ghetto had been liquidated and death was at hand did a few thousand remaining residents &ndash right-wingers, leftists, Bundists, religionists, atheists, Jews of every political and religious stripe &ndash band together, under the leadership of Mordechai Anielewicz, to fight since they knew their days were numbered. They realized they would not be able to beat the German army. But if they were going to die, they would at least take some Germans with them.

Those of us in Kamionka who were young and still strong would have been more than willing to fight in an organized fashion if we thought we had the slightest chance of making a difference. For months after learning of the German defeat at Stalingrad, we waited for partisans who were rumored to be in the vicinity. It would have been a great honor, a tremendous opportunity, to join them, to fight to save the lives of innocent Jews and non-Jews under German occupation. We had heard that the partisans liberated a camp not far from ours. Many Jews had joined their ranks immediately. In the end, though, the partisans did not come near Kamionka until the camp had already been liquidated.

One night in April 1943, Ladovsky, Rebel's Jewish chauffer, came into my barracks and woke me up. He had just returned from Warsaw with Rebel where they had gone to purchase supplies. In Warsaw Lasovsky had heard about, and actually seen, the uprising during its second day.

"Jews," he told me, "are killing Germans! I saw it with my own eyes, German blood being spilled!"

"Thank G-d I lived to see the day," I said to him and jumped off my bunk.

The two of us began to sing and dance, crying and laughing, beside ourselves with joy. After two days of successful fighting, Mordechai Anielewicz said that killing German soldiers proved that they, too, were vulnerable, that the Germans were not invincible. Like Jews, they could bleed, and this resistance saved Jewish honor. Of course, within a few weeks the Germans had overrun the ghetto, killing almost everyone inside, and shipped the survivors to the death camps. But the thought of Jews defending themselves thrilled us beyond description. Even though we knew there were Jewish soldiers fighting in the Allied armed forces, we had become accustomed to feeling helpless under German occupation.