Hvordan kunne et teater opvarmes i 1808 Wien?

Hvordan kunne et teater opvarmes i 1808 Wien?

Beethovens koncert af 22. december 1808 blev afholdt i et ekstremt koldt teater. Hvordan kunne det have været opvarmet dengang?

Datoen er for tidlig til, at centralvarme var almindelig. Braziers eller andre rumoverskrifter kunne have været brugt, men ventilation ville være et problem. Mangler jeg noget indlysende?


Det normale ballpark -skøn over, hvor meget varme en person afgiver, er sammenligning med en 100W (engang 120W) glødepære. Det Theater an der Wien havde en kapacitet på 2.000 i Beethovens tid, hvilket var mere end tilstrækkeligt til at opvarme en bygning ved temperaturer kun nær frysepunktet.

Oprindeligt var den "mere rummelig end nogen anden i Wien" med en kapacitet på næsten 2.000, hvorimod den i dag har plads til 950.

Selv ved kun 3/4 kapacitet, der genereres varme på 1500 * 100W = 150kW. Hvis bygningen var rimeligt isoleret, kunne man i en normal vinter have været mere bekymret over hvordan fedt nok bygningen når den er eller nær kapacitet.

Typiske december -temperaturer i Wien er ikke specielt kolde, med typiske daglige højder omkring 3C (38F) og nedturer om natten omkring -1C (30F). Vinteren 1808/09 var dog en af ​​de koldeste nogensinde i Europa. Jeg kunne ikke finde plader specifikt til Wien, men:

I Stockholm [er det kun] vintrene 1788/89 og 1808/09 viser sig at være koldere [end 1941/42].


Fra min kommentar herunder:

Teatralske begivenheder er typisk forud for 60 minutter eller mere af meet & greet, når lånere kommer ind i bygningen. Det kan tage yderligere 20 minutter efter at have plads til alle. Og traditionel europæisk formel påklædning er allerede tiltænkt at holde en varm ved temperaturer på omkring 10-12 C; ikke den 20-22C vi normalt tænker på som stuetemperatur.

Se her, fra kongressen i Wien i 1815, mændenes påklædning til et forretningsmøde. Bemærk jakkerne med stiv høj krave på både jakke og bluse for at holde træk ude. Grunden til, at mænd i dag føler sig så tvunget til at fjerne deres jakke med det samme, når de kommer ind i en bygning, er, at vores moderne stuetemperatur er cirka 10C varmere end det, som påklædningen er designet til. Det er også derfor kraverne er blevet sænket og blevet løsere i løbet af det sidste århundrede.

For kvinder synes formel kjole altid at have været lidt lettere end for mænd. Men traditionen var den dekolletage var til dans, og enhver fashionabel kvinde havde en stjal, helst hermelin, hvis den var overkommelig, for at holde hendes skuldre og halsudskæring varm:

Også fru Willott i en hvid stjal:

Her, Tysk mode i Biedermeier -perioden, 1800 -tallet:


2.000 års offentlige bade i Wien

& quotDe gamle romere. & quot starter dermed manges historie, og nogle på bade i Wien også. For næsten 2.000 år siden boltrede folk sig først i opvarmede stenbade nær en tidligere keltisk bosættelse. Middelalderlige badehuse kan spores tilbage til 1200-tallet. I Wien var bade og kultur på grund af sin fantastiske badarkitektur ofte tæt forbundet. Dette er også til en vis grad sandt i dag, en kendsgerning, der adskiller Wien fra resten af ​​Europa. Hvor sprøjtende vand og lystig latter rungede om sommeren, blev der holdt koncerter og bolde om vinteren. Som i det tidligere Sophienbad, for blot at nævne et eksempel. På et tidspunkt blev udendørs & quotbath-akademier & rdquo organiseret i offentlige bade i løbet af sommeren. Her ville wienerne komme for at polere deres viden.


Indhold

Tidligt liv og karriere Rediger

Balfe blev født i Dublin, hvor hans musikalske gaver blev tydelige i en tidlig alder. Han modtog instruktion fra sin far, en dansende mester og violinist, og komponisten William Rooke. [1] Hans familie flyttede til Wexford, da han var barn. Mellem 1814 og 1815 spillede Balfe violin til sin fars danseklasser, og som syvårig komponerede han en polacca.

I 1817 optrådte han som violinist offentligt, og i år komponerede han en ballade, først kaldet "Young Fanny" og bagefter, da han blev sunget i Paul Pry af Madame Vestris, "De elskendes fejl". I 1823, efter sin fars død, flyttede den teenagere Balfe til London og blev forlovet som violinist i orkestret på Theatre Royal, Drury Lane. Til sidst blev han leder for det orkester. [2] Mens han var der, studerede han violin med Charles Edward Horn og komposition med Charles Frederick Horn, organisten, fra 1824 i St. George's Chapel, Windsor.

Mens han stadig spillede violin, forfulgte Balfe en karriere som operasanger. Han debuterede uden held i Norwich i Carl Maria von Webers Der Freischütz. I 1825 tog grev Mazzara ham til Rom for vokal- og musikstudier og introducerede ham for Luigi Cherubini. Balfe fortsatte også med at komponere: i Italien skrev han sit første dramatiske værk, en ballet, La Perouse. Han blev en protégé af Rossini, og i slutningen af ​​1827 optrådte han som Figaro i Barberen i Sevilla på den italienske opera i Paris.

Balfe vendte hurtigt tilbage til Italien, hvor han havde base i de næste otte år, hvor han sang og komponerede flere operaer. Han mødte Maria Malibran, mens han sang i Paris Opera i denne periode. I 1829 i Bologna komponerede Balfe sin første kantate til sopranen Giulia Grisi, dengang 18 år gammel. Hun udførte det med tenoren Francesco Pedrazzi med stor succes. Balfe producerede sin første komplette opera, I rivali di se stessi, i Palermo i karnevalsæsonen 1829–1830.

I Lugano, Schweiz, [3] omkring 1831 giftede han sig med Lina Roser (1806–1888), en ungarskfødt sanger af østrigsk herkomst, som han havde mødt på Bergamo. [4] Parret havde to sønner og to døtre. Deres yngre søn, Edward, døde som spædbarn. Deres ældste søn, Michael William Jr., døde i 1915. Deres døtre var Louisa (1832-1869) og Victoire. Balfe skrev en anden opera Un avvertimento ai gelosi på Pavia, og Enrico Quarto i Milano, hvor han havde været forlovet med at synge i Rossinis Otello med Malibran på La Scala i 1834. Et upopulært forsøg på at "forbedre" Giacomo Meyerbeers opera, Il crociato i Egitto, ved egen interpoleret musik, tvang Balfe til at kaste sit engagement op på teatret La Fenice i Venedig.

Komponerende succes Rediger

Balfe vendte tilbage til London med sin kone og unge datter i maj 1835. Hans første succes fandt sted nogle måneder senere med premieren på Belejringen af ​​Rochelle den 29. oktober 1835 på Drury Lane. Opmuntret af hans succes producerede han Tjenestepigen i Artois i 1836 som blev efterfulgt af flere operaer på engelsk.

I juli 1838 komponerede Balfe en ny opera, Falstaff, for Det italienske operahus, baseret på The Merry Wives of Windsor, med en italiensk libretto af S. Manfredo Maggione. Produktionen medvirkede hans venner Luigi Lablache (bas) i titelrollen, Giulia Grisi (sopran), Giovanni Battista Rubini (tenor) og Antonio Tamburini (baryton). De samme fire sangere havde premiere på Bellinis, Jeg puritani ved den italienske opera i Paris i 1835. [4]

I 1841 grundlagde Balfe Nationaloperaen på Lyceum Theatre, men satsningen var en fiasko. Samme år havde han premiere på sin opera, Keolanthe. Derefter flyttede han til Paris og præsenterede Le Puits d'amour (1843) i begyndelsen af ​​1843, efterfulgt af hans opera baseret på Les quatre til Aymon (1844) for Opéra-Comique (også populær i tysktalende lande i mange år som Die vier Haimonskinder) og L'étoile de Sevilla (1845) for Opéra. Deres librettoer blev skrevet af Eugène Scribe og andre. [5] I mellemtiden, i 1843, vendte Balfe tilbage til London, hvor han producerede sit mest succesrige værk, Den bohemske pige, den 27. november 1843 på Theatre Royal, Drury Lane. Værket kørte i over 100 nætter, og produktioner blev snart monteret i New York, Dublin, Philadelphia, Wien (på tysk), Sydney og i hele Europa og andre steder. I 1854 kaldte en italiensk tilpasning La Zingara blev monteret i Trieste med stor succes, og den blev også udført internationalt på både italiensk og tysk. I 1862, en fire-akt fransk version, med titlen La Bohemienne blev produceret i Frankrig og var igen en succes. [4]

Senere år Rediger

Fra 1846 til 1852 blev Balfe udnævnt til musikalsk direktør og hoveddirigent for den italienske opera på Hendes Majestæts Teater, [6] med Max Maretzek som hans assistent. [7] Der producerede han først flere af Verdis operaer for London -publikum. Han dirigerede for Jenny Lind ved hendes operadebut og ved mange lejligheder derefter. [4]

I 1851, i påvente af den store internationale udstilling i London, sammensatte Balfe en innovativ kantate, Inno Delle Nazioni, sunget af ni kvindelige sangere, der hver repræsenterer et land. Balfe fortsatte med at komponere nye operaer på engelsk, herunder Panseren i Nantes (1863) og skrev hundredvis af sange, f.eks. "When other hearts", "I Dreamed I Dwelt in Marble Halls" (fra Den bohemske pige), "Kom ind i haven, Maud", "Killarney" og "Excelsior" (en indstilling af digtet af Longfellow). [8] Hans sidste opera, næsten afsluttet, da han døde, var Leopardens ridder og opnået betydelig succes på italiensk as Il Talismano. [4] [9]

Balfe trak sig tilbage i 1864 til Hertfordshire, hvor han lejede en landejendom. Han døde i sit hjem i Rowney Abbey, Ware, Hertfordshire, i 1870, 62 år gammel, og blev begravet på Kensal Green Cemetery i London, ved siden af ​​den irske komponist William Vincent Wallace, der var død fem år før. I 1882 blev et medaljonportræt af ham afsløret i Westminster Abbey. En plakat i London County Council, der blev afsløret i 1912, mindes Balfe på Seymour Street 12, Marylebone. [10]

I alt komponerede Balfe mindst 29 operaer. [11] Han skrev også flere kantater (bl.a. Mazeppa i 1862) og en symfoni (1829). Balfes eneste storstykke, der stadig udføres, er Den bohemske pige. [ citat nødvendig ]


8. Symfoni nr. 2

Symfoni nr. 2 har fire satser, og den blev skrevet mellem 1801 og 1802. Symfonien er i D -dur opus nummer 36 og er en dedikation til Karl Alois, prins Lichnowsky. Denne symfoni blev komponeret i den tid, Beethovens døvhed var ved at blive udtalt, og han begyndte at indse, at den muligvis ikke kan helbredes. Beethoven var bosat i Heiligenstadt i 1802. Symfonien blev første gang opført den 5. april 1803 i Theater an der Wien i Wien. Udførelsen af ​​symfonien kan tage 33 til 36 minutter.


Ugen i teater: The Night of the Iguana Vienna 1934-München 1938 syv metoder til at dræbe kylie jenner

T ennessee Williams kan få scenen til at vibrere til én karakters opløftende nerver. Og han kan kæntre den med en masse torrid guff. Det, han normalt ikke tilbyder, er stilhed. Men Leguanens nat er et særligt fastlåst spil-det centrale billede er et dyr i snor-og James Macdonalds produktion er for det meste balsameret.

Clive Owen, der vender tilbage til West End efter 18 år, spiller den præfabrikerede præst, der efter at have specialiseret sig i at sove med unge piger og derefter slå dem, tilsyneladende nu er på stativet på et hotel på kanten af ​​en klippe: dilemmaet med stykket er "hvordan man lever ud over fortvivlelse og stadig lever". Owen har alle angstsymptomer: ben, der rykker i ro, utætte udbrud, svedtendens, der går ud over et svar på varme. Men selvom han er bekymret, ser han aldrig farligt ud. Han er mindre titels oprindelige væsen, mere en pisket hund.

Rae Smiths design har også alle de rigtige ingredienser, men er for trang til at foreslå muligheden for frit fald. Dette hotel ser mere nedslidt ud end virkelig usikkert. Under Neil Austins belysning lyser en baggrund af klipper som en uhyggelig falskkulsbrand. Karakterer tropper ned til stranden, som om de skulle have aftensmad i et kælderkøkken. Det er rigtigt, at der er en voldsom storm, men ingen ønsker, at publikum forlader et teater, hovedsageligt imponeret over god regn.

Sketchiness i Williams bliver nær parodi. En gruppe tyske turister hopper videre i badebukser og gummiringe, der bøjer og larmer. Som spinster slår Finty Williams ud med sin håndtaske.

To forestillinger tager aftenen til et andet niveau. I den del af den varme værtinde, som ikke blev spillet så meget som røvet af Bette Davis i Broadway -produktionen i 1961, Anna Gunn - af Breaking Bad - er smukt naturligt, så forvirret i kærlighed og person som Williams specificerede. Som stykkets gåde - den hellige overlevende med et strejf af hustler - er Lia (ingen relation) Williams suveræn. Hendes skaber sammenlignede hende med billedet af en helgen i en gotisk katedral. Hun ser skulptureret ud, som om hun har glidt fra en grav, selvom hun aldrig kun er marmoreal. Hun har en rolig kommando med et strejf af beregning - og et vokaleko af skuespilleren, der først skulle spille rollen, Katharine Hepburn.

Vanessa Redgrave nitter i Wien 1934-München 1938. Foto: Nobby Clark

Tennessee Williams mente, at Vanessa Redgrave var "den største skuespillerinde i det engelsktalende teater". Hun er uden tvivl en af ​​de mest anholdende. Da hun kommer på scenen i Bath, hilser hun på publikum, som om vi sad ved hendes albue. Efter pausen siger hun, at hun er glad for, at vi er kommet tilbage. Og ind i mellem deler hun et fotoalbum med folk på første række. Teatret er hendes stue.

Hvordan kan en person i en sådan kommando over en scene overdrages til den ujævne form af det materiale, hun præsenterer som en delvist dramatiseret fortælling? Sand, Wien 1934-München 1938 er en scrapbog med ideer og anekdote. Veined med ekkoer af fremkomsten af ​​yderste højrefløj i dag, der trækker på familie og venners skrifter, fletter det det personlige med det politiske - og det er til det gode. Hendes far, Michael, fremstår ikke kun som en ihærdig socialist, men som elsker af en ung mand, Tony Hyndman, der også var digteren elsker af digteren Stephen Spender, der hyldede sine "mothlike læber i skumringen".

Spenders første kvindelige elsker, den antifascistiske aktivist Muriel Gardiner bliver levendegjort-smugler pas og synger Alabama-sangen-af Lucy Doyle i en professionel debut, der er bemærkelsesværdig for sin sarte åbenhed. Vanessa Redgrave husker Noël Coward, en anden af ​​hendes fars elskere og en fortrolig med hendes mor, som værende "biens knæ".

Der er en hamstring her, men det er ubemærket. Thomas Manns fordømmelse af Storbritannien og appeasement er ophidsende og genlydende, men leveret i alt for stor rystende længde. Spender er mindre fascinerende som digter end som en skikkelse, der kærligt patruljerer sine egne mangler. Og Redgrave er en skuespiller, der nitter, en modig fortaler - og en forfatter, der har brug for en redaktør.

'En snestorm af et teaterstykke': Tia Bannon, til venstre og Danielle Vitalis i syv metoder til at dræbe kylie jenner. Foto: Helen Murray

syv metoder til at dræbe kylie jenner er en snestorm af et stykke skrevet af Jasmine Lee-Jones, der er 20. Det skynder sig med høj hastighed, det angriber i små stykker. Milli Bhatias voldsomme produktion er slående, forvirrende, hjemsøgende. Designer Rajha Shakiry hænger et glitrende hvidt net over en del af scenen: som et kæmpe spindelvæv er det fortid, men derfra stammer tråde. Ved siden af ​​dette firkantede Cleo (Danielle Vitalis) og Kara (Tia Bannon) hinanden, hoppede og råbte i en levende tango af irritation og intimitet, den slags praktiseres af piger, der husker hinanden fra legepladsen. OMG, nogle scener er twitterludes, efterlignet og talt med elektronisk forvrængning: nogle passager er uigennemtrængelige - i hvert fald for mig - men alle er spændende. Scener mellem de to kvinder beskriver, hvad der sker, veltalende og ubarmhjertigt.

Cleo, alias @incognegro, har lanceret en række rasende, vittige tweets, der reagerer på meddelelsen om, at Kylie Jenner er blevet den "yngste selvfremstillede milliardær": selvfremstillet "som min seng", hvorfor bliver hun rost for at lave den store læber, der er blevet spottet på en sort kvinde? Hun vil have Jenner brændt til et skarpt og bliver derfor truet. Kara synes, hun skal køle det. Hvilket får Cleo til at beskylde Kara for at have det let, fordi hun er lys hud og Kara, der foretrækker piger frem for drenge, beskylder Cleo for at være homofob.

De borer tilbage i barndommen og ind i sort historie og argumenterer stramt og med rige følelser. De er stemmer fra et nyt teater.

Stjernebedømmelser (ud af fem):
Leguanens nat ★★★
Wien 1934-München 1938 ★★★
syv metoder til at dræbe kylie jenner ★ ★ ★ ★

Iguana Night er på Noël Coward -teatret, London, indtil den 28. september
Wien 1934-München 1938 er i Ustinov-studiet, Bath, indtil den 3. august
syv metoder til at dræbe kylie jenner er på Royal Court -teatret, London, indtil den 27. juli


Facebook

Kom og slå varmen med vores Fryos Gourmet Popsicles! Dette er vores nyeste smag, den klassiske Cookies & amp Cream. Du behøver ikke foretage en reservation for at købe en popsicles. Bare kom ind i museumsbutikken når som helst i løbet af vores åbningstider. # historycenter # visitlagrange # fryos # sommertid

Bibelhistorisk Center

Vi vil gerne sige en særlig tak til alle, der anonymt har sendt os disse Retekess -modtagere og -sendere via Amazon! Disse vil hjælpe os meget ved at tillade grupper, der ikke taler engelsk, at bringe en oversætter og modtage oversættelser i realtid via et øretelefon. Dette er sådan en velsignelse for os, og vi er så taknemmelige!

Bibelhistorisk Center

Her er endnu et af nye Time Tunnel -skilte! Denne er lige ved siden af ​​hovedindgangen i den byzantinske kirke, så du kan ikke gå glip af, når du kommer for at besøge os. Sørg for, at når du kommer på besøg, inkluderer du vores nye Time Tunnel -skilte!

Bibelhistorisk Center

I den gamle bibelske verden var brønde af største betydning. Ferskvand og derfor brønde var afgørende for overlevelse. De var også samlingssteder, hvor folk kunne chatte om deres liv og nyheder af betydning for det omkringliggende område. I Det Gamle Testamente var Abrahams tjener på mission for at finde en passende kone til Isaac, og han finder Rebecca godt i deres landsby. I Det Nye Testamente møder Jesus den samaritanske kvinde ved brønden og tilbyder sit levende vand, så hun aldrig mere tørster.

Kom og tjek vores brønd, der er afbilledet her, i Bibelhistorisk Center i LaGrange, GA!


Ekspertledede ture til de musikalske hovedstæder i Europa

Når et stykke musik betragtes som et mesterværk, modtager det ofte talrige optrædener af veløvede orkestre i verdens fineste koncertsale. Men det, der ofte er sandt, er, at disse store værker startede deres musikalske liv under mindre end ideelle omstændigheder. Beethovens mirakuløse femte symfoni er et godt eksempel. Her er historien en premiere fyldt med problemer.

Joseph Willibrod Maehlers portræt af Beethoven fra 1804 eller 1805, et par år før den femte symfoni.

I Wien i slutningen af ​​1700 -tallet og de tidligste år af det 19. var de fleste orkesterkoncerter enten lettere sommertilbud eller vinterkoncerter designet til at skaffe penge til en velgørende formål eller til fordel for en bestemt komponist. Mozart er kendt for at præsentere disse koncerter, de blev kaldt "Academies".

I 1807 blev der startet en række koncerter, der udelukkende var til musikalsk nydelse af kunstnerne og lytterne. Orkesterets medlemmer havde en tendens til at være dilettanter, og publikum var primært medlemmer af adelige familier. Forestillingerne blev kaldt Liebhaber-Konzerteeller Koncerter for Musikelskere. Tyve sådanne koncerter blev givet i 1807-08, og Beethoven var en af ​​de fremhævede komponister.

I de fleste af disse koncerter tjente komponisterne beskedne summer fra fremførelser af deres musik. Men denne serie havde tre koncerter, hvis billetkontor blev givet til offentlige velgørende formål, og Beethoven bidrog med sin musik eller virtuose klaverspil til disse begivenheder. Det er usikkert, om den monumentale komponist bare var gavmild eller forsøgte at komme i gode nåde nogle vigtige promotorer i Wien, men vi ved, at Beethovens bidrag til disse tre koncerter gav ham, hvad han ville: en hel koncert til egen fordel i Theater an der Wien. Det blev sat til 22. december 1808, og den femte symfoni var på programmet.

I en ideel verden ville koncerten, hvor en så stor symfoni først blev fremført, have været en spektakulær begivenhed. Dette var næppe tilfældet.

David Nelson foretrukne indspilning af symfonien, Carlos Kleibers optræden med Wiener Philharmoniker indspillet i 1975.

Et problem var en hidtil uset længde af koncerten. Beethoven syntes tilsyneladende, at hvis der var en god ting, så var mere af det gode bedre. Så det indledende program omfattede 5. og 6. symfonier, to satser fra messen i C, en vokal -aria og den 4. klaverkoncert (med Beethoven som solist). Den 5. symfoni skulle oprindeligt lukke programmet, men komponisten troede ikke, at dens afslutning ville være stærk nok til at holde publikums opmærksomhed efter en lang koncert. Så hvad gjorde han? Beethoven skrev et andet værk for at lukke koncerten med mere en mere imponerende afslutning: Fantasia for klaver, orkester og omkvæd.

Maratonkoncerten varede fra 6:30 til 10:30, hele fire timer lang. Og hvis det ikke allerede var svært nok at sidde igennem så meget musik, havde teatret utilstrækkelig varme til at klare den kolde wienervinter. En af de fremmødte beskrev at sidde i teatret "i den hårdeste kulde", men kunne ikke forlade, fordi "Beethoven var midt i at dirigere og var tæt på".

Så meget ny og udfordrende musik viste sig at være et større problem, og dette blev forstærket af, at der ikke var tilstrækkelige øvelser. En skribent kommenterede, at "Beethoven ... havde fundet på mange repetitioner og optræden i øvelserne og forestillingen og næsten ingen opbakning", og at "det havde været umuligt at få en fuld repetition for alle stykkerne, der skulle udføres, alle [blev] fyldt med de største vanskeligheder ”.

Beethoven var også kompromisløs under koncerten ved at kræve perfektion af musikerne. Senere skrev han: ”Musikerne var særligt vrede, fordi da der blev skabt en uklarhed på skødesløshed på det enkleste og mest almindelige sted i verden, stoppede jeg dem pludselig og råbte højlydt’ Endnu en gang ’… Offentligheden viste sin glæde ved dette” .

Og endelig, hvis der ikke var problemer nok allerede med denne aften, vendte det trykte program antallet af de to symfonier. Det, vi ved i dag på den femte, blev opført som symfoni nr. 6, hvad vi i dag ved den sjette blev opført som den femte. Ingen ser ud til at vide, hvorfor dette skete.

Efter en så ubekymret begyndelse kunne vi måske undre os over, hvordan "den femte" - såvel som de andre stykker på programmet - nogensinde blev hørt igen. Svaret på dette er enkelt. Store stykker kan transcendere og overleve dårlige præstationer og stadig blive ved. Vi kan bare håbe, at dagens publikum ikke behøver at bringe deres vinterfrakker ind i auditoriet.

Beethovens grav på Wien 's centrale kirkegård.

Klik her for at se mere om kirkegårdene til de store musikere, du kan se på rundvisningerne i I Mozarts fodspor.

Denne programnote dukkede først op i Greensboro, North Carolina ’s News and Record den 19. september 2010.


Romantisk kunststil (ca. 1770-1920)


The Lady of Shalott (1888)
Tate Collection, London.
Af John William Waterhouse.

Hvad er romantik? - Egenskaber

På trods af de tidlige bestræbelser fra pionerer som El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614), Adam Elsheimer (1578-1610) og Claude Lorrain (1604-82) fik den stil, vi kender som romantik, ikke fart i slutningen af 1700 -tallet, da det heltemodige element i nyklassicismen fik en central rolle i maleriet. Dette heroiske element kombineret med revolutionær idealisme til at producere en følelsesladet romantisk stil, der opstod i kølvandet på den franske revolution som en reaktion mod kunstinstitutionens behersket akademiske kunst. Romantikkens principper omfattede: en tilbagevenden til naturen - eksemplificeret ved en vægt på spontant plein -air -maleri - en tro på menneskehedens godhed, fremme af retfærdighed for alle og en stærk tro på sanser og følelser, snarere end fornuft og intellekt. Romantiske malere og billedhuggere havde en tendens til at udtrykke en følelsesmæssig personlig reaktion på livet, i modsætning til den tilbageholdenhed og universelle værdier, som den nyklassicistiske kunst taler for. Arkitekter fra 1800-tallet forsøgte også at udtrykke en følelse af romantik i deres bygningsdesign: se f.eks. Victoriansk arkitektur (1840-1900).


Mareridtet (1781)
Henry Fuseli.
Detroit Institute of Arts.
Et mesterværk af surrealistisk
Romantik.

VERDENS STØRSTE KUNSTVÆRK
For en liste over Top 10 malere/
billedhuggere: Bedste kunstnere nogensinde.
Til Top 300 olier, akvareller
se: Største malerier nogensinde.

EVOLUTION AF VISUEL ART
For kronologi og datoer
se: Kunsthistorie Tidslinje.

Blandt de største romantiske malere var Henry Fuseli (1741-1825), Francisco Goya (1746-1828), Caspar David Friedrich (1774-1840), JMW Turner (1775-1851), John Constable (1776-1837), Theodore Gericault ( 1791-1824) og Eugene Delacroix (1798-63). Romantisk kunst fortrængte ikke den nyklassicistiske stil, men fungerede snarere som en modvægt til sidstnævntes sværhedsgrad og stivhed. Selvom romantikken faldt omkring 1830, fortsatte dens indflydelse længe efter. BEMÆRK: For at se den rolle, som romantisk maleri spillede i udviklingen af ​​1800-tallets kunst, se: Realisme til impressionisme (1830-1900).

Efter den franske revolution i 1789 skete der en betydelig social ændring inden for en enkelt generation. Europa blev rystet af politiske kriser, revolutioner og krige. Da ledere mødtes på kongressen i Wien (1815) for at reorganisere europæiske anliggender efter Napoleonskrigene, blev det klart, at folks håb om 'frihed, lighed og broderskab' ikke var blevet realiseret. Men i løbet af de ophidsede 25 år havde nye ideer og holdninger sat sig fast i sindene på mænd.

Respekt for individet, det ansvarlige menneske, som allerede var et centralt element i det nyklassiske maleri, havde givet anledning til et nyt, men beslægtet fænomen - følelsesmæssig intuition. Så cool, rationel nyklassicisme blev nu konfronteret med følelser og den individuelle fantasi, der udsprang af den. I stedet for at rose individets stoicisme og intellektuelle disciplin (nyklassicisme) begyndte kunstnerne nu også at fejre individets følelsesmæssige intuition og opfattelse (romantik). I begyndelsen af ​​1800 -tallet begyndte der således at dukke en række forskellige stilarter op - hver især formet af nationale karakteristika - der alle faldt under overskriften 'Romantik'.

Bevægelsen begyndte i Tyskland, hvor den hovedsageligt var motiveret af en følelse af verdens træthed (& quotWeltschmerz& quot), en følelse af isolation og en længsel efter naturen. Senere optrådte romantiske tendenser også i engelsk og fransk maleri.

BEMÆRK: For andre vigtige historiske stilistiske tendenser som romantik, se Kunstbevægelser og skoler (fra ca. 100 fvt).

Tysk romantik (1800-1850)

I Tyskland reagerede den unge generation af kunstnere på de skiftende tider ved en proces med introspektion: de trak sig tilbage i følelsernes verden - inspireret af en sentimental længsel efter tidligere tider, såsom middelalderen, som nu blev set som en tid hvor mennesker havde levet i harmoni med sig selv og verden. I denne sammenhæng, maleriet Gotisk katedral ved vandet af Karl Friedrich Schinkel, var lige så vigtig som 'Nazarenernes' værker - Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld og Franz Pforr - der tog deres føring fra de italienske tidlige renæssances billedtraditioner og den tyske kunst i en alder af Albrecht Durer. I deres erindring om fortiden var romantiske kunstnere meget tæt på nyklassicisme, bortset fra at deres historisme var kritisk over for nyklassicismens rationalistiske holdning. For at sige det enkelt så neoklassiske kunstnere til fortiden for at støtte deres præference for ansvarlige, rationelt sindede individer, mens romantikere kiggede på fortiden for at retfærdiggøre deres ikke-rationelle følelsesmæssige intuition.

Den romantiske bevægelse fremmede 'kreativ intuition og fantasi' som grundlag for al kunst. Således blev kunstværket udtryk for en 'stemme indefra', som den førende romantiske maler Caspar David Friedrich (1774-1840) udtrykte det. Men denne nye subjektivitet (i modsætning til den i nutidens tidsalder) indebar ikke forsømmelse af studiet af naturen eller malerhåndværk. Tværtimod: Romantiske kunstnere beholdt deres kunsts akademiske traditioner, deres malerkvaliteter repræsenterer stadig et højdepunkt i vestlig kunst.

Den foretrukne genre blandt romantikere var landskabsmaleri. Naturen blev set som sjælens spejl, mens den i politisk begrænsede Tyskland også blev betragtet som et symbol på frihed og grænseløshed. Således omfatter ikonografien for romantisk kunst ensomme figurer, der er sat på landet og stirrer længselsfuldt i det fjerne såvel som vanitas motiver som døde træer og tilgroede ruiner, der symboliserer forgængelighed og livets begrænsede natur. Lignende vanitas -malermotiver var tidligere forekommet i barokkunst: ja, romantiske malere lånte malerisk behandling af lys med dets tenebristiske effekter af lys og skygge direkte fra barokmestrene. I romantikken kaster maleren sit subjektive blik på den objektive verden og viser os et billede filtreret gennem hans følsomhed.

Da den europæiske restaurering blev sat i gang af Carlsbad -resolutionerne (1819), og forfølgelsen af ​​demagogerne begyndte, var appetitten på tysk romantik allerede falmet, og oprør var blevet erstattet af resignation og skuffelse. De tyske romantikkers emancipatoriske forhåbninger blev afsat til fordel for genoprettelsen. I lyset af en sådan politisk konservatisme trak kunstner-borgeren sig tilbage i sin private idyl og indledte Biedermeier periode (1815-1848) af senromantikken, eksemplificeret ved værkerne af Moritz von Schwind (1804-71), Adrian Ludwig Richter (1803-1884) og Carl Spitzweg (1805-85). Spitzweg var måske den fremragende repræsentant for Biedermeier -stilen: fortællende, anekdotiske familiescener var blandt hans yndlingsmalerier, selvom hans muntre og fredelige malerier har en dybere betydning. Bag hans uskyldige smukhed satiriserer han det tyske borgerskabs materialisme. Se også: Tysk kunst, 1800 -tallet.

Spansk romantik (1810-30)

Francisco de Goya (1746-1828) var den ubestridte leder af den romantiske kunstbevægelse i Spanien og demonstrerede en naturlig flair for værker af irrationel, fantasi, fantasi og terror. I 1789 blev han fast etableret som officiel maler ved det spanske kongelige hof. Desværre, omkring 1793, blev han ramt af en form for alvorlig sygdom, som gjorde ham døv og fik ham til at trække sig tilbage. Under sin rekonvalescens (1793 �) udførte han et sæt med 14 små malerier på tin, kendt som Fantasi og opfindelse, der markerer et fuldstændigt stilskifte, der skildrer en dramatisk verden af ​​fantasi og mareridt. I 1799 udgav han et sæt med 80 ætsninger med titlen Los Caprichos kommenterer en række menneskelige adfærd på William Hogarths måde. I 1812-15, i kølvandet på Napoleonskrigen, færdiggjorde han et sæt akvatintprint, kaldet Krigets katastrofer skildrer scener fra slagmarken på en foruroligende og makaber måde. The prints remained unpublished until 1863. In 1814, in commemoration of the Spanish insurrection against French troops at the Puerta del Sol, Madrid, and the shooting of unarmed Spaniards suspected of complicity, Goya produced one of his greatest masterpieces - The Third of May, 1808 (1814, Prado, Madrid). Another masterpiece is Kolossen (1808-12, Prado, Madrid). After 1815 Goya became increasingly withdrawn. His series of 14 pictures known as the Sorte malerier (1820-23), including Saturn Devouring His Son (1821, Prado, Madrid), offer an extraordinary insight into his world of personal fantasy and imagination.

French Romanticism (1815-50)

In France, as in much of Europe, the Napoleonic Wars ended in exile for Napoleon and a reactionary wave of Restoration policies. The French republic once again became a monarchy. In fine art terms, all this led to a huge boost for Romanticism, hitherto restrained by the domination of Neoclassicists such as the political painter Jacques Louis David (1748-1825) and other ruling members of the French Academy who had reigned unchallenged. Broader in outlook than their German counterparts, French Romantic artists did not restrict themselves to landscape and the occasional genre painting, but also explored portrait art and history painting.

Another strand of 19th-century Romanticism explored by French artists was Orientalist painting, typically of genre scenes in North Africa. Among the finest exponents were the academician Jean-Leon Gerome (1824-1904) as well as the more maverick Eugene Delacroix.

The first major Romantic painter in France was Jaques-Louis David's top pupil - Antoine-Jean Gros (1771-1835). The chronicler of Napoleon's campaigns and an accomplished portraitist, Gros was associated with the academic style of painting, although he also had a significant influence on both Gericault and Delacroix.

Theodore Gericault (1791-1824) was an important pioneer of the Romantic art movement in France. His masterpiece Raft of the Medusa (1819, Louvre) was the scandal of the 1820 Paris Salon. No painter until then had depicted horror so graphically. The impact of the painting was all the more effective for being based on a true-life disaster. Gericault's powerfully arranged composition forcefully undermined the calculated, intellectual painting of academic Neoclassicism. The three-dimensionality of the figures, allied to the meticulous arrangement of the raft, with its symbolic hopelessness. This symbolic portrayal of a shipwreck (of popular political aspirations) gives the painting the same drama that marked the works of Baroque Old Masters like Rubens and Velazquez. Gericault also adopted a Romantic approach to his famous portraits of asylum inmates.

Eugene Delacroix (1798-1863), who later became the leader of French Romanticism, followed in Gericault's footsteps after the latter's early demise, painting pictures whose vivid colours and impetuous brushwork were designed to stimulate the emotions and stir the soul. In doing this he deliberately rekindled the centuries-old argument about the primacy of drawing or colour composition. Delacroix countered what he considered to be 'Neoclasssical dullness' - exemplified, as far as he was concerned, by Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) and the conservative French Academy - with dynamic motion, and a colour-based composition not unlike that of Titian or Rubens. His masterpiece in the Romantic style is Liberty Leading the People (1830, Louvre), painted on the occasion of the 1830 Revolution.

Delacroix was also an avid student of colour in painting, in particular the interaction of colour and light. He discovered that "flesh only has its true colour in the open air, and particularly in the sun. If a man holds his head to the window, it is quite different from within the room herein lies the stupidity of studio studies, which strive to reproduce the wrong colour". One important result of his studies was the discovery that nuances of colour can be produced by mixing complementary primary colours - a fact which was taken up with great interest by the Impressionists. As it was, Delacroix himself was heavily influenced by John Constable, the great English landscape artist, who also had a huge impact on the painters of the 'Barbizon school', near Fontainebleu, who devoted themselves to plein-air painting in the 1830s.

Other French artists who worked in the tradition of Romanticism include: Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823), Anne-Louis Girodet-Trioson (1767-1824), Francois Gerard (1770-1837), George Michel (1763-1843), Antoine-Jean Gros (1771-1835) and Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). An unusual case is the classical history painter Paul Delaroche (1797-1856), who specialized in melodramatic historical scenes typically featuring English royalty, such as the Execution of Lady Jane Grey (1833, National Gallery, London). Immensely popular during his life, he made a fortune from selling engravings of his pictures.

In America, the Romantic history-painting tradition of Delacroix was maintained by the German-American artist Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68) whose masterpiece is Washington krydser Delaware (1851, Metropolitan Museum of Art, New York).

Romanticism in England (c.1820-1850)

John Constable (1776-1837) belonged to an English tradition of Romanticism that rejected compositions marked by a heightened idealisation of nature, such as those of Caspar David Friedrich, in favour of the naturalism of 17th century Dutch Baroque art, and also that of Claude Lorrain (1604-82). This tradition sought a balance between (on the one hand) a deep sensitivity to nature and (on the other) advances in the science of painting and drawing. The latter were exemplified by the systematic sky and cloud studies of the 1820s which characterized the work of Constable. Precise observation of nature led him to disregard the conventional importance of line, and construct his works from free patches of colour.

This emancipation of colour is particularly characteristic of the painting of William Turner (1775-1851). For Turner, arguably the greatest of all English painters of Romanticism, observation of nature is merely one element in the realisation of his own pictorial ambitions. The mood of his paintings is created less by what he painted than by how he painted, especially how he employed colour and his paint-brush. Many of his canvases are painted with rapid slashes. Thick impasto alternates with delicate alla prima painting, tonal painting with strong contrasts of light and dark. It often takes a while for the depicted object to emerge from this whirling impression of colour and material. Thus for instance in his painting Snowstorm: Steam-Boat off a Harbour's Mouth (1842, Tate, London), Turner did not try to depict the driving snow and lashing wind, but rather translated them into the language of painting. In this, Turner is an important precursor of modern abstract painting. More immediately, his art had a huge impact on the Impressionists, who, unlike Romantic painters, were realists - they were not interested in visions of light that heightened expressiveness but in real light effects in nature. This movement towards realism appeared around 1850. At this point, a widening gulf opened up between emotion and reality. Det Romantics, including groups like the Pre-Raphaelites, focused on emotion, fantasy and artistically created worlds - a style very much in tune with the era of Victorian art (1840-1900) - an excellent example being the highly popular sentimental portraits of dogs by Sir Edwin Landseer (1802-73). By comparison, the Realists adhered to a more naturalistic idiom, encompassing such diverse styles as French Realism (with socially-aware themes) and Impressionism.

Other English Romantic painters include William Blake (1757-1827) and John Martin (1789-1854).

Impact of Romanticism

The Romantic style of painting stimulated the emergence of numerous schools, such as: the Barbizon school of plein-air landscapes, the Norwich school of landscape painters the Nazarenes, a group of Catholic German and Austrian painters Symbolism (eg. Arnold Bocklin 1827-1901) and the Aestheticism movement.

The most influential exponents of English figurative romanticism during the Victorian Age were the members of the Pre-Raphaelite Brotherhood, co-founded by William Holman Hunt (1827-1910) and by Dante Gabriel Rossetti (1828-82), noted for Bebudelsen og andre værker. Other artists associated with the movement included: John Everett Millais (1829-96) best-known for his romantic painting Ophelia, Edward Burne-Jones (1833-1898) the eminent painter, stained glass and tapestry designer for William Morris & Co, and John William Waterhouse (1849-1917) who created the famous painting of The Lady of Shalott.

Another important group of Romantic painters was The Hudson River School of landscape painting , active during the period 1825-1875. Begun by Thomas Doughty whose peaceful compositions greatly influenced later artists of the school, other members included Thomas Cole (dramatic and vivid landscapes) Asher B Durand, Frederick Edwin Church, JF Kensett, SFB Morse, Henry Inman, and Jasper Cropsey. A sub-group of Hudson River artists introduced the style of Luminism, active 1850-75. Luminist landscapes - exemplified by those of Frederic E Church, Albert Bierstadt, and the Missouri frontier painter George Caleb Bingham (1811-79) - were characterized by intense, often dramatic light effects, a style visible also in the hauntingly beautiful works of Whistler, such as Crepuscule in Flesh Colour and Green, Valparaiso (1866) og Nocturne: Blue and Silver - Chelsea (1871).

Greatest Romantic Paintings

Works of Romanticism hang in many of the best art museums around the world. Here is a short selected list of works.

Karl Friedrich Schinkel (1781-1841)
Gothic Cathedral By the Water (1813) Staatliche Muzeen zu Berlin.
John Constable (1776-1837)
Hay Wain (1821) National Gallery, London.
JMW Turner (1775-1851)
The Fighting Temeraire (1838) National Gallery, London.
The Slave Ship (1840) Museum of Fine Arts, Boston.
Steam-Boat off a Harbour's Mouth (1842) Tate, London.
Rain, Steam, Speed - The Great Western Railway (1844) NG, London.
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Winter Landscape (c.1811) National Gallery, London.
Man and Woman Contemplating the Moon (1824) Nationalgalerie, Berlin.
Francisco Goya (1746-1828)
The Third of May, 1808 (1814) Museo del Prado, Madrid.
Saturn Devouring One of His Children (1821) Prado, Madrid.
William Blake (1757-1827)
The Night of Enitharmon's Joy (1795) Tate Britain, London.
Satan Arousing the Rebellious Angels (1800) Victoria and Albert Museum.
Theodore Gericault (1791-1824)
The Raft of the Medusa (1819) Louvre, Paris.
Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68)
Washington Crossing the Delaware River (1848) Metropolitan Museum, NY.
Eugene Delacroix (1798-63)
The Death of Sardanapalus (1827) Musee du Louvre.
Liberty Leading the People (1830) Musee du Louvre.
John Martin (1789-1854)
The Great Day of his Wrath (1853) Tate, London.
Jean-Baptiste Corot (1796-1875)
Memory of Mortefontaine (1864) Louvre, Paris.
Ville d'Avray (1867) National Gallery of Art, Washington DC.
Arnold Bocklin (1827-1901)
Mary Magdalene Grieving over the Body of Christ (1867) Kunstmuseum, Basel.

In Paris during the early 1920s, a group of figurative painters appeared whose brooding paintings quickly became labelled Neo-Romantic. Among them were the Russian born trio of Eugene Berman and his brother Leonid, og Pavel Tchelitchew. However, in British fine art at least, the term Neo-Romantic denotes the imaginative quasi-abstract style of landscape created by Paul Nash (1889-1946) and Graham Sutherland (1903-80) and others during the late 1930s and 1940s. Inspired in part by the visionary landscapes of William Blake og Samuel Palmer, Neo-Romantic pictures often included figures, was typically sombre in mood, but sometimes displayed a striking intensity. Other important Neo-Romantics included Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan.

• For other art movements and periods, see: History of Art.
• For styles of painting and sculpture, see: Homepage.


Beethoven's marathon concert . recreated on Radio 3

Radio 3 senior producer David Gallagher introduces today's recreation of Beethoven's marathon 1808 concert, which featured the premieres of two symphonies, plus a piano concerto and a new choral work .

It’s never been easy being a composer, unless you have a private income. Plenty have died in near-poverty – including, reputedly, Mozart, in Vienna in 1791. A decade later Beethoven was scraping a living in the same city. He could make a bit of money selling his music to publishers, and fortunately he found some rich aristocratic patrons, but life was never comfortable. Being the ‘latest thing’ – as both composer and performer – he was much in demand at charity fundraising concerts. But he was expected to give his services free. What he really wanted was a charity fundraiser in aid of himself.

It took him literally years to get one fixed up. Eventually everything was to come to fruition in the local Theater an der Wien on 22 December 1808. Presumably fearing he might never get another chance, Beethoven decided to pack into a single evening the world premieres of his Fifth and Sixth Symphonies and a specially written Choral Fantasy… as well as his Fourth Piano Concerto… and a few other things besides.

I remembered that crazy concert when we decided to include all nine of Beethoven's Symphonies in Afternoon on 3's celebration of the Symphony. Afternoon on 3 is at the heart of Radio 3’s commitment to broadcast every note of every Symphony featured in the BBC4 television series presented by Simon Russell Beale the television programmes skated over a couple of Beethoven Symphonies, but we reckoned we really ought to broadcast them all. Do you think Beethoven was the greatest Symphony composer ever? Jeg gør. And every one of his Symphonies does something new.

If we were going to broadcast all of them, could we recreate that concert of 22 December 1808 as part of the series? Problem: it was a four-hour marathon. Afternoon on 3 only lasts two-and-a half-hours at most. But when I added up the actual music, it came to less than three hours. And there was rather a neat change of direction at the two-and-a-half hour mark, as – for the first time in the programme – Beethoven sat down at the piano and improvised a solo. Could we could make a virtue of that and hand over to In Tune for the final straight? And who better to impersonate the composer improvising on themes from the Fifth Symphony than the former Radio 3 New Generation Artist, jazz pianist Gwilym Simcock. Even if his hair is a lot neater than Beethoven’s .

The other essential feature of Afternoon on 3’s Symphony celebration is that almost every performance is by one of the BBC’s own orchestras – including several live concerts. Both the BBC National Orchestra of Wales and the BBC Philharmonic had told me they could, if we wanted, do live performances on Tuesday 15 November. That date just happened to fall roughly where the middle of our Beethoven cycle needed to be. Could they do one Symphony each, live? They could. The BBC Phil at MediaCity in Salford would kick off the afternoon at 2 o’clock with not the Fifth Symphony but the Sixth – because that’s how Beethoven began his concert. He saved the Fifth Symphony for after his interval – so the BBC NOW in Hoddinott Hall, Cardiff would play the Fifth at, well, sometime after half past three, depending on when we get there. Fortunately, on the radio we don’t have to wait through Beethoven’s interminable platform rearrangements: for the pieces with solo pianist, solo singers and chorus we’ll be playing recordings the BBC NOW made earlier.

In fact, we hope the whole thing might go a bit more smoothly than it did for poor old Beethoven back in December 1808. The audience crammed into the theatre complained they were freezing cold – four hours is a long time to sit in an unheated theatre, even if you can afford a fur coat. The solo soprano was shivering too – though in her case it might have been nerves: she was an inexperienced late replacement. The theatre orchestra were no happier: Beethoven had had a row with them at their previous charity gig, and they almost refused to play for him at all. Perhaps it would have been better if they had: one newspaper reported that their ‘execution… could be considered lacking in all respects.’ Ouch.

In the circumstances it’s no surprise that nobody much appreciated the actual compositions – even Beethoven’s supporters, like the composer and critic Johann Friedrich Reichardt, reckoned it just ‘proved how easy it is to have too much of a good thing’. So: can it ever work to hear so much music by one composer end to end? Beethoven must have thought so. There’s only way to find out for sure. Tune in to Afternoon on 3 and In Tune.

There was one happy ending, though – and a very important one. Reichardt tells us the concert gave Beethoven ‘his first and only cash profit of the entire year.’ Without it, who knows whether we’d ever have had the last three Symphonies at all.


This symphony is Beethoven’s shortest. It is often referred to as “The Little Symphony in F Major.” Its duration is roughly 26 minutes. Amongst a sea of exuberant symphonies, Beethoven’s Symphony No. 8 is often overlooked. Beethoven composed this symphony in 1812 at the age of 42. It premiered two years later on February 27, alongside Symphony No. 7.

Beethoven’s last symphony, No. 9, marks a triumphant and glorious end. Beethoven’s Symphony No. 9 was completed in 1824, when Beethoven was completely deaf and was premiered on Friday, May 7, 1824, in the Kärntnertortheater in Vienna. Beethoven was the first composer to include the human voice at the same level as the instruments. Its text, “An Die Freude” was written by Schiller. When the piece ended, Beethoven, being deaf, was still conducting. The soprano soloist turned him around to accept his applause.


Se videoen: Beethoven Symphony No 3 in E Eroica Leonard Bernstein Wiener Philharmoniker