Titian: En samling af 255 malerier (HD)

Titian: En samling af 255 malerier (HD)

>

BØGER om Titian:
[1] TITIAN af Ian Kennedy --- https://bit.ly/2QdwwhI
[2] TITIAN: HIS LIFE af Sheila Hale --- https://bit.ly/2HIQblQ
[3] TITIAN: THE LAST DAYS af Mark Hudson --- https://bit.ly/2VwoeTn
[4] TITIAN, TINTORETTO, VERONESE: Rivaler i renæssancen Venedig --- https://bit.ly/2EjovmV

---

For at LEARNFROMMTERS -projektet kan fortsætte sin aktivitet,
DIN SORT STØTTE ER NØDVENDIG:

PATREON: https://www.patreon.com/LearnFromMasters
PAYPAL: https://www.paypal.me/LearnFromMasters

---

Titian: En samling af 255 malerier (HD)

Beskrivelse: "Titian var en italiensk maler og en af ​​renæssancens største kunstnere. Betragtet som det vigtigste medlem af den venetianske skole fra det 16. århundrede malede Titian værker for kong Philip II, pave Paul III og den hellige romerske kejser Charles V. Titian blev født af en lokal beskeden embedsmand i Pieve di Cadore og blev sendt til sin onkel i Venedig i en alder af 10. Efterfølgende udviklede han en stor interesse for kunst og lærte maleteknikken og fik snart mulighed for at Omkring 1518 blev han betragtet som en af ​​Venedigs førende kunstnere med afslutningen af ​​'Jomfruens antagelse'. Derefter begyndte Titian på en prestigefyldt karriere som maler og modtog megen støtte i sin bestræbelser foretaget af en række højtstående kommissioner. Meget efterspurgt ved domstolene i det nordlige Italien omkring midten af ​​1500-tallet spredte hans ry sig som en løbeild i hele Europa. Anerkendt som "den første maler" af kejser Charles V og rai sed af ham til grev Palatines rang, malede han forbløffende mytologi-inspirerede kunstværker og skabte også portrætter af nogle af datidens førende personligheder i løbet af hans levetid. Han bevarede en livslang interesse for farve og fortsatte med at projektere fantastisk energi gennem sine malerier indtil sin død. Mest berømt for sin mestring i farve havde kreative værker af Titian en dybtgående indflydelse på utallige fremtidige generationer af kunstnere. "

---

MUSIK: Kevin MacLeod - Drone i D
Drone in D af Kevin MacLeod er licenseret under en Creative Commons Attribution -licens (https://creativecommons.org/licenses/by/4.0/)
Kilde: http://incompetech.com/music/royalty-free/index.html?isrc=USUAN1200044
Kunstner: http://incompetech.com/

ABONNERE: www.youtube.com/c/LearnFromMasters?sub_confirmation=1

Facebook: https://www.facebook.com/LearnFromMasters/
Instagram: https://www.instagram.com/learnfrommasters/
Kontaktperson: [email protected]

LISTE OVER KUNSTNERE, der allerede er indsendt på LearnFromMasters:
https://goo.gl/hri4HE

---

Mange tak for din støtte!

#LearnFromMasters #ItalianMaler #Renaissance #OnlineArtGallery #CollectionOfPaintings #ArtHistory #Titian


Michelangelo Merisi da Caravaggio

Michelangelo Merisi da Caravaggio (Milano, 28. september 1571 - Porto Ercole, 18. juli 1610) var en italiensk kunstner aktiv i Rom, Napoli, Malta og Sicilien mellem 1593 og 1610. Han er almindeligt placeret i barokskolen, som han betragtes som den første store repræsentant for. .

Selv i sin egen levetid blev Caravaggio betragtet som gådefuld, fascinerende, oprørsk og farlig. Han brød ud over Rom -kunstscenen i 1600, og manglede derefter aldrig til kommissioner eller lånere, men han håndterede hans succes frygteligt. En tidligt offentliggjort meddelelse om ham, der stammer fra 1604 og beskriver hans livsstil cirka tre år tidligere, fortæller, hvordan han efter en fjorten dages arbejde vil svirre om i en eller to måneder med et sværd ved siden af ​​og en tjener, der følger ham, fra en boldbane til den næste, nogensinde klar til at deltage i en kamp eller et skænderi, så det er mest akavet at komme sammen med ham. & quot I 1606 dræbte han en ung mand i et slagsmål og flygtede fra Rom med en pris på sin hoved. På Malta i 1608 var han involveret i endnu et slagsmål og endnu et i Napoli i 1609, muligvis et bevidst forsøg på hans liv af uidentificerede fjender. I det næste år, efter en relativt kort karriere, var han død.


Oscar-Claude Monet

Oscar-Claude Monet (1840-1926) er en berømt fransk maler og en af ​​grundlæggerne af impressionismebevægelsen sammen med sine venner Renoir, Sisley og Bazille.

Monet afviste den traditionelle tilgang til landskabsmaleri, og i stedet for at kopiere gamle mestre havde han lært af sine venner og selve naturen. Monet observerede variationer i farve og lys forårsaget af de daglige eller sæsonmæssige ændringer.

Claude Monet blev født den 14. november 1840 på femte sal i 45 rue Laffitte, i det niende arrondissement i Paris. Han var den anden søn Claude Adolphe Monet og Louise-Justine Aubree. Den første april 1851 kom Monet ind på kunstskolen Le Havre. Han blev lokalt kendt for disse trækulkarikaturer, som han ville sælge for ti til tyve franc. Monet påtog sig også sine første lektioner fra Jacques-Francois Ochard, en tidligere elev af Jacques-Louis David. På strandene i Normandiet omkring 1856/1857 mødte han medkunstneren Eug & eacutene Boudin, der blev hans mentor og lærte ham at bruge oliemaling. Boudin underviste Monet & quoten plein air & quot (udendørs) teknikker til maleri.


Anatomi -lektionen til Dr. Nicholas Tulp (1632)

I denne pyramideformede sammensætning observerer syv akavet stillede mænd med lyse hvide, flæset halsbånd intensivt en mand ved navn Dr. Tulp, der letter en anatomilektion. Han befaler fuldstændigt den højre side af maleriet og demonstrerer på en mandlig kadaver. Delenes enhed er bemærkelsesværdigt godt planlagt med den døde mands vinkel og størrelse, der trækker betragterens øjne ind i midten.

Værket skildrer den vigtige årlige anatomi -lektion i januar, som var en begivenhed, der var meget ventet på for alle de lokale senatorer, borgmestre og rådmænd i byen. Kuratorer og rektorer fra universitetet deltog også med skarer af professorer og studerende, mens offentligheden købte billetter til at sidde på bænke i bageste række. I Kroppen emblazoned, Jonathan Sawday bemærkede, at, ". Anatomisering finder sted, så der i stedet for en tidligere fuldstændig 'krop' kan oprettes en ny 'krop' af viden og forståelse. Da den fysiske krop er fragmenteret, er forståelseslegemet holdt for at blive formet og formet. "

Denne type gruppeportræt var en rent hollandsk institution en unik og længe etableret tradition, der hjalp med at dokumentere og ære officererne i et laug eller en anden organisation. Normalt delte seks til tyve personer omkostningerne og sammensætningen ligeligt. I dette stykke stirrer Rembrandts omhyggeligt gengivne og belyste ansigter på liget eller kigger ud på beskueren for at fastslå deres følelse af betydning og inklusion. Scenen er meget iscenesat og dramatisk med den ansete læge iført sin hat for at betegne hans status for det henrykte publikum. Rembrandt sikrer, at beskueren forstår fortællingen uden distraktion ved at begrænse farverne til simpelthen mørke eller stærkt oplyste bortset fra den blodige venstre underarm, der dissekeres nær kompositionens centrum. De klareste områder: den tilbøjelige krop, ansigterne og Dr. Tulp's hænder, der er omhyggeligt tegnet og subtilt gengivet, er beregnet til at fange seerens opmærksomhed. Rembrandt fik den største agtelse med dette strålende gruppeportræt og modtog mange lignende opgaver af denne type.

Mand i orientalsk kostume (1632)

Dette ambitiøse maleri skildrer den hollandske opfattelse af en Near Eastern Potentate, et eksotisk fremmed emne, der ville appellere til en erfaren, kyndig samler. En skåret og statelig kolossal figur stirrer strengt ud, hans skuldre og hoved dramatisk belyst forfra og bagfra. Hans gyldne beklædningsgenstand skinner under et metallisk tørklæde og sølvturban, mens ornamenter og smykker gnistrer og glimter.

I løbet af 1630'erne skildrede Rembrandt mange figurer iført mellemøstlige beklædningsgenstande i sine malerier, tegninger og raderinger. De hollandske republiks kommercielle virksomheder havde nået Mellemøsten i begyndelsen af ​​syttende århundrede, og levantinerne skulle ses på gaderne og markedspladserne i Amsterdam. Portrætter af imaginære persiske, osmanniske eller andre "orientalske" prinser blev populære i den travle by. Men Rembrandts billeder er ikke blot portrætter af disse mennesker. De er snarere fantasifulde repræsentationer af en fjern kultur, der indeholder hollandske modeller, herunder Rembrandt selv, iklædt eksotisk påklædning.

Værket viser Rembrandts mestring som lysmaler samt figurer, hvilket forklarer hans brug af en begrænset, dæmpet palet til at skabe uendelig dybde. Han brugte dybe skygger, der forsvandt i uklarhed med ujævn gylden belysning og højdepunkter penslet ind med dristige, stramme streger. Nogle gange brugte han en overflod af maling, nogle gange meget lidt, og nogle gange ridsede han på lærredet med håndtaget på sin pensel, han arbejdede for at skabe den nøjagtige effekt, han ønskede. Kurator Walter Liedtke gav udtryk for sin mening: "Jeg synes, Rembrandt opfylder et behov for moderne smag. Han er så kontemplativ. Det er også genialt bevaret. På et poleret egetræsbræt her med oliemaling og vidunderlige teksturer. Linned, ru, kan du faktisk. føl det."

Stormen på Galilæas Sø (1633)

Dette maleri, Rembrandts eneste havbillede, skildrer det dramatiske mirakel, da Jesus greb ind for at dæmpe en voldsom storm på Galilæasøen. Den bibelske historie fra Det Nye Testamente ville være kendt for det hollandske folk i Rembrandts tidsperiode. Rubens indflydelse kan ses i de mørkt skurrende, skummende bølger, der truer med at vælte den lille vindpiskede båd. Bådens mast skaber en diagonal linje, der deler sammensætningen i to trekanter. I den venstre trekant truer ekstrem fare og intens aktivitet, men der er et gyldent lys, der belyser kanterne af de mørke skyer, de ophidsede mænd og det flækkede storsegl. I den højre trekant er en figur i rødt draperet over siden af ​​båden, og styrmanden stiller roret mod de bølgende bølger. Kun en figur, klædt i blått og holder i sin kasket, ser direkte ud på beskueren ved at stille sig fast med et reb, han har Rembrandts træk. Kunstneren malede sig ofte ind i sine kompositioner, og her engagerer han beskueren i den turbulente aktivitet. Det er en koncentreret scene af drama udspillet inden for et stort, skiftende frygtindgydende rum. Naturens enorme dramatiske kraft er afprøvet for menneskeheden, men det forestående mirakel understreges. For at afslutte historien siger evangelierne, da Jesus først forstod deres skrækkelige situation, stod han op og pegede mod stormen og sagde: "Stille! Vær stille!" og den onde storm aftog.

Den ekstremt detaljerede skildring af scenen og historien, figurernes varierede udtryk, de polerede penselstrøg og lyse farver præger Rembrandts tidlige stil. 18. århundredes kritikere, især Arnold Houbraken, en biograf af hollandske kunstnere, foretrak denne stil frem for hans senere mindre specifikt detaljerede måde. Som i de fleste barokkunst inviteres beskueren til at dele en følelsesmæssig oplevelse, til at blive involveret frem for passivt at observere.


1/7 Titian: Love, Desire, Death at the National Gallery: På billeder

Mere end 8 millioner objekter sidder inde på British Museum. Du kan søge igennem meget af dette online og udforske artefakterne individuelt eller efter geografisk oprindelse. To af gallerierne har digitale versioner online: Prints and Drawings fra kunstnere, herunder Degas og Henry Moore, og Oceanien, der fremhæver kunst og artefakter fra Australien, Ny Guinea, Melanesia, Mikronesien og Polynesien. Sørg også for at tjekke History Connected -kanalen, som giver en interaktiv tidslinje af objekter på tværs af temaer kunst og design, levende og døende, religion og tro, handel og konflikt og magt og identitet.


Edgar Degas

Edgar Degas (19. juli 1834 & ndash 27. september 1917), født Hilaire-Germain-Edgar Degas (udtales [ilɛʀ ʒɛʁmɛ̃ ɛdɡɑʀ d & oeligˈɡɑ]), var en fransk kunstner berømt for sit arbejde med maleri, skulptur, grafik og tegning. Han betragtes som en af ​​grundlæggerne af impressionismen, selvom han afviste udtrykket og foretrak at blive kaldt realist. En fremragende tegner, han er især identificeret med emnet for dansen, og over halvdelen af ​​hans værker skildrer dansere. Disse viser hans mestring i skildringen af ​​bevægelse, ligesom hans racerbaneemner og kvindelige nøgenbilleder. Hans portrætter anses for at være blandt de fineste i kunsthistorien.

Tidligt i sin karriere var hans ambition at være historiemaler, et kald, som han var godt forberedt på af sin strenge akademiske uddannelse og tætte studier af klassisk kunst. I begyndelsen af ​​trediverne ændrede han kurs, og ved at bringe historiemalerens traditionelle metoder til at bære nutidens emner blev han en klassisk maler i det moderne liv.


Palazzo Ducale

International Gallery of Modern Art rummer mesterværker, såsom værker af Medardo Rosso, Rodin, Kandinsky, Klee.

GlasMuseum

Museet ligger i Murano og er vært for den mest omfattende historiske samling af Murano -briller

NaturligHistorieMuseum

Naturhistorisk museum

Et stemningsfuldt og engagerende layout til at opdage naturens og levende væseners hemmeligheder

MocenigoPalads

Museum for tekstiler og kostumer med rejseplaner dedikeret til parfume

HeldigPalads

Besøg det gotiske Palazzo Pesaro degli Orfei i Campo San Beneto og forvandlet af Mariano Fortuny til hans private studie

BlonderMuseum

Museet ligger i Burano og udviser sjældne og værdifulde eksemplarer af venetiansk blonder fra det 16. til det 20. århundrede

CarloGoldoni'shus

Det er huset, hvor Carlo Goldoni blev født, og det indeholder et lille museum dedikeret til ham og et bibliotek med teaterstudier

UrTårn

I over 500 år har det markeret livet, historien og den løbende tid i Venedig


David Hockney

Dette maleri viser et stænk i en californisk swimmingpool. Hockney besøgte Los Angeles første gang i 1963, et år efter eksamen fra Royal College of Art, London. Han vendte tilbage der i 1964 og blev tilbage med kun periodiske ture til Europa, indtil 1968, da han kom tilbage til London. I 1976 foretog han en sidste rejse tilbage til Los Angeles og etablerede et permanent hjem der. Han blev tiltrukket af Californien af ​​den afslappede og sensuelle livsstil. Han kommenterede: 'klimaet er solrigt, folk er mindre spændte end i New York. Da jeg ankom, anede jeg ikke, om der var nogen form for kunstnerisk liv der, og det var det mindste af mine bekymringer. ’(Citeret i Kinley, [s.4].) I Californien opdagede Hockney, at alle havde en swimmingpool. På grund af klimaet kunne de bruges hele året rundt og blev ikke betragtet som en luksus, i modsætning til i Storbritannien, hvor det er for koldt det meste af året. Mellem 1964 og 1971 lavede han talrige malerier af svømmehaller. I hvert af malerierne forsøgte han en anden løsning på repræsentationen af ​​den konstant skiftende overflade af vand. Hans første malede henvisning til en swimmingpool er i maleriet California Art Collector 1964 (privat samling). Billede af en Hollywood Swimming Pool 1964 (privat samling) blev afsluttet i England fra en tegning. Mens hans senere svømmebassiner var baseret på fotografier, blev Hockneys skildring af vand i svømmehaller i midten af ​​1960'erne bevidst afledt af indflydelsen fra hans samtid, den britiske maler Bernard Cohen (født 1933) og de senere abstrakte malerier af den franske kunstner Jean Dubuffet (1901-85). På dette tidspunkt begyndte han også at efterlade brede grænser omkring malerierne umalet, en praksis udviklet fra hans tidligere stil med at holde store områder af lærredet råt. På samme tid opdagede han, at hurtigtørrende akrylmaling var mere egnet til at skildre de solbelyste, ren-konturerede forstæder i Californien end langsomtørrende oliemaling.

Et større sprøjt blev malet mellem april og juni 1967, da Hockney underviste ved University of California i Berkeley. Billedet stammer delvist fra et fotografi, Hockney opdagede i en bog om at bygge swimmingpools. Baggrunden er taget fra en tegning, han havde lavet af californiske bygninger. Et større sprøjt er det største og mest markante af tre 'stænk' malerier. Splash (privat samling) og Et lille stænk (privat samling) blev begge færdige i 1966. De deler sammensætningskarakteristika med den senere version. Alle repræsenterer udsigt over en swimmingpool mod et afsnit af lavt slunget, 1960'ernes modernistisk arkitektur i baggrunden. Et dykkerbræt stikker ud af margenen ind i maleriernes forgrund, under hvilken stænk er repræsenteret af områder med lysere blå kombineret med fine hvide linjer på det monotone turkise vand. Placeringen af ​​dykkerbrættet - der kommer diagonalt ud af hjørnet - giver perspektiv og skærer tværs over de dominerende horisontaler. Farverne brugt i Et større sprøjt er bevidst lysere og dristigere end i de to mindre malerier for at understrege det stærke californiske lys. Det gule dykkerbræt skiller sig dramatisk ud mod poolens turkise vand, som ekko i den intense turkis på himlen. Mellem himmel og vand betegner en stribe kødfarvet landskab horisonten og rummet mellem poolen og bygningen. Dette er en rektangulær blok med to pladeglasvinduer, foran hvilke en foldestol er skarpt afgrænset. To håndflader på lange, spindlede stammer pryder maleriets baggrund, mens andre afspejles i bygningens vinduer. En frond-lignende række af grønt pryder forsiden. Farveblokkene blev rullet ind på lærredet og detaljerne, såsom stænk, stol og vegetation, blev malet senere med små pensler. Maleriet tog cirka to uger at færdiggøre, hvilket gav en interessant kontrast til hans emne for kunstneren. Hockney har forklaret: 'Når du fotograferer et stænk, fryser du et øjeblik, og det bliver til noget andet. Jeg indser, at et stænk aldrig kunne ses på denne måde i det virkelige liv, det sker for hurtigt. Og jeg blev underholdt af dette, så jeg malede det på en meget, meget langsom måde. «(Citeret i Kinley, [s.5].) Han havde afvist muligheden for at genskabe stænk med en øjeblikkelig gestus i væske på lærredet . I modsætning til flere af hans tidligere svømmebassinemalerier, som indeholder et mandligt emne, ofte nøgen og set bagfra, er 'sprøjtemalerierne' tomme for menneskelig tilstedeværelse. Sprøjtet under dykkerbrættet indebærer imidlertid tilstedeværelsen af ​​en dykker.

Yderligere læsning:
David Hockney: Malerier, tryk og tegninger 1960-1970, udstillingskatalog, Whitechapel Gallery, London 1970
Stephanie Barron, Maurice Tuchman, David Hockney: Et retrospektiv, udstillingskatalog, Los Angeles County Museum of Art, Metropolitan Museum of Art, New York og Tate Gallery, London 1988, s.38, gengivet s.158, pl.37 i farver og s.39, fig.24 (detaljer)
Catherine Kinley, David Hockney: Syv malerier, udstillingsbrochure, Tate Gallery, London 1992, [s.5], gengivet [s.5] i farver

Catherine Kinley/Elizabeth Manchester
Februar 1992/marts 2003

Indeholder denne tekst unøjagtige oplysninger eller sprog, som du mener, vi skal forbedre eller ændre? Vi vil gerne høre fra dig.

Vis billedtekst

A Bigger Splash er et af en række malerier, Hockney har lavet af californiske swimmingpools. Han har fanget øjeblikket lige efter, at nogen er dykket ind. Sprøjtet er det eneste fingerpeg om deres tilstedeværelse i scenen. Hockney var interesseret i at bruge maling til at fange gennemsigtige materialer som vand og flygtige øjeblikke, som sprøjt. 1960'erne ses ofte som den tid, hvor Storbritannien kom ud af vanskelighederne i efterkrigsårene ind i en periode med optimisme. Dette farverige værk synes at afspejle denne følelse.

Indeholder denne tekst unøjagtige oplysninger eller sprog, som du mener, vi skal forbedre eller ændre? Vi vil gerne høre fra dig.

Katalogindgang

T03254 EN STØRRE SPLASH 1967

Registreret 'DAVID HOCKNEY' på båre
Akryl på bomuldsand, 95 1/4 × 96 (242,5 × 243,9)
Købt fra Marquis of Dufferin og Ava gennem Knoedler Gallery (Grant-in-Aid) 1981
Prov: Marquis of Dufferin og Ava (købt fra Kasmin Ltd, 1968)
Exh: David Hockney: et stænk, en græsplæne, to værelser, to pletter, nogle pæne puder og et bord. malet, Kasmin Ltd, januar - februar 1968 (værker ikke nummererede, geng.) David Hockney: Malerier, tryk og tegninger 1960–1970, Whitechapel Art Gallery, april – maj 1970 (67,5, repr.) David Hockney, Kestner-Gesellschaft, Hannover, maj – juni 1970 (41, repr.) David Hockney: Slike, Crtezi, Grafike 1960–1970, Muzej Savremene Umetnosti, Beograd, september – oktober 1970 (30, repr.) David Hockney: Tableaux et Dessins, Musée des Arts Décoratifs, Paris, oktober – december 1974 (13, repr. I farve)
Tændt: Nikos Stangos (red.), David Hockney af David Hockney, 1976, s. 124–6, geng. I farve pl. 190 Henry Geldzahler, 'Hockney Abroad: A Slide Show', Kunst i Amerika, LXIX, februar 1981, s. 136–7, geng. Marco Livingstone, David Hockney, 1981, s.108–11, repr.pl.59 Carolyn Lamb, 'David Hockney "A Bigger Splash"', Færdiggørelse af billedet: Materialer og teknikker i 26 malerier i Tate Gallery, 1982, s.108–13, repr. I farve s.109
Repr: The Tate Gallery: Illustrated Biennial Report 1980–82, 1983, s.51 i farver

En detaljeret diskussion af dette billede af et medlem af Tate Gallery's Conservation Department findes i Completing the Picture (op.cit.). En del af det var baseret på skriftlige svar fra kunstneren på et spørgeskema. Uddrag fra dette essay om maleriets stil og emne, men også til en vis grad de anvendte teknikker, genoptrykkes nedenfor.

'"A Bigger Splash" blev malet engang mellem april og juni 1967, mens Hockney underviste ved University of California, Berkeley, USA. The Splash er baseret på et fotografi, han fandt i en bog om at bygge en swimmingpool, og baggrunden er taget fra en af ​​hans tegninger af californiske bygninger. I mange af hans malerier er emnet en sammensætning af personligt observerede detaljer og fotografiske billeder. Han føler, at fotografier ikke i sig selv indeholder nok information til at trække fra, men de kan udvikles fantasifuldt eller bruges som mnemoniske enheder. Han sigter ikke efter at fremstille en nøjagtig kopi af fotografiet.

'Diskuterer "A Bigger Splash" i sin selvbiografi beskriver Hockney sin fascination af skildringen af ​​en så flygtig ting som et vandstænk. ”Jeg elsker først og fremmest ideen om at male som Leonardo, alle hans studier af vand, hvirvlende ting. Og jeg elskede tanken om at male denne ting, der varer i to sekunder: Det tager mig to uger at male denne begivenhed, der varer i to sekunder ”(David Hockney af David Hockney, s.124).

'Splash blev udviklet i tre malerier. "A Little Splash" (1966) var den første version, kun 16 × 20in. i størrelse. Denne idé blev forstørret og ændret til "The Splash" (1966). Utilfreds med baggrunden, som han syntes var for kompliceret, forenklede han bygningen og landskabet i den sidste version "A Bigger Splash" (1967). Det er den største af de tre, 95 1/2 × 96in. i dimension, malet i Liquitex kunstneres akrylemulsionsmaling på bomuldsand. '

'. Hockney var meget imponeret over den akrylmaling, han fandt i en kunstbutik i Los Angeles, da han flyttede dertil i 1963, og opgav faktisk olier ved næsten udelukkende at bruge akryl fra denne dato til 1972. ”Californiens klare lys foreslog enkle teknikker som lyset i et London -værelse foreslog en ældre 'chiaroscuro' teknik. ”

'To maleteknikker er blevet brugt i "A Bigger Splash". For det første en maskeringsteknik og for det andet den mere traditionelle påføring af maling med pensel. Hockney beskriver billedet og siger: "Det er meget stærkt californisk lys, fed farve, blå himmel. Jeg rullede det på med ruller, og selve stænket er malet med små pensler og små streger, det tog mig cirka to uger at male sprøjtet ”(David Hockney af David Hockney, s.124). De anvendte farver var koboltblå, ultramarinblå, rå sienna, brændt sienna, rå umber, grønne kroge, Napoli gul og titaniumhvid. Disse blev påført blandet sammen eller som farvetoner (dvs. farve plus hvid til himlen og poolblå). Hockney hæftede lærredet til sin studievæg, mens han malede det. Ikke hele lærredet var dækket af maling, den tynde strimmel løb vandret hen over midten af ​​maleriet (fungerede som poolkanten), og den brede lærredskant blev efterladt umalet. En lærredskant var en ofte brugt billedindretning i hans arbejde mellem 1964 og 1967 - ”Det var en slags indrømmelse for den aktuelle kunst. Det forekom mig, at hvis jeg skar billedet af der, blev det mere konventionelt, og jeg var stadig lidt bange for det dengang ”(ibid., S.125). Der blev ikke foretaget en foreløbig tegning på lærredet. ’

Udgivet i:
The Tate Gallery 1980-82: Illustreret katalog over erhvervelser, London 1984


Frokosten på græsset, 1862 af Edouard Manet

Frokost på græsset ("Dejeuner sur l'Herbe," 1863) var et af en række impressionistiske værker, der brød fra den klassiske opfattelse, at kunsten skulle adlyde etablerede konventioner og søge at opnå tidløshed. Maleriet blev afvist af salonen, der viste maleri godkendt af det officielle franske akademi. Afvisningen skyldtes ikke så meget de kvindelige nøgenbilleder i Manets maleri, et klassisk emne, som deres tilstedeværelse i moderne omgivelser, ledsaget af påklædte, borgerlige mænd. Uoverensstemmelsen antydede, at kvinderne ikke var gudinder, men modeller eller muligvis prostituerede.

Men i Le dejeuner sur l'herbe hyldede Manet Europas kunstneriske arv og lånte sit emne fra The Pastoral Concert - et maleri af Titian, der dengang blev tilskrevet Giorgione (Louvre) - og hentede sin inspiration til sammensætningen af ​​det centrale gruppe fra Marcantonio Raimondi -graveringen efter Raphaels dom i Paris, men de klassiske referencer blev modsvaret af Manets frimodighed. Tilstedeværelsen af ​​en nøgen kvinde blandt påklædte mænd er hverken begrundet i mytologiske eller allegoriske præcedenser. Dette og den moderne kjole gjorde den mærkelige og næsten uvirkelige scene uanstændig i datidens offentlighed. Manet kaldte selv spøgenligt sit maleri "la partie carree".

Manet viste maleriet i stedet på Salon des Refuses, en alternativ salon oprettet af dem, der var blevet nægtet adgang til den officielle. Ligesom sin ven Courbet påvirkede Manet det moderne maleri ikke kun ved sin brug af realistisk emne, men også af hans udfordring til den tredimensionelle perspektivisme, der blev etableret i renæssancemaleriet. Manet malede figurer med en fladhed, der delvist stammer fra japansk kunst og lignede (som Gustave Courbet kommenterede) kongens eller dronningens flathed på et spillekort.

Frokost på græsset - vidnesbyrd om Manets afvisning af at overholde konventionen og hans indledning af en ny frihed fra traditionelle emner og repræsentationsformer - kan måske betragtes som udgangspunkt for moderne kunst. Den modernistiske genopfindelse af billedrummet var begyndt.


Hans figurer var i proportioner og liv i modsætning til stilen i middelalderens kristne kunst og omfattede en enorm mængde detaljer. Kunstneren var kendt for sin interesse for menneskelig anatomi, udviklet gennem arbejde med menneskelige lig tidligt i sin karriere. Dette markerede en revolution inden for europæisk kunst.

Det mest kendte maleri af Michelangelo er utvivlsomt fresken kendt som The Creation of Adam, der skildrer legenden om menneskehedens skabelse fra Første Mosebog. Adam er afbilledet i en tilbagelænet kropsholdning med guddommen lænet mod ham, et ikonisk kunstværk, der taler til tilskuere gennem tiderne. Det menes, at Michelangelo hentede inspiration til dette arbejde fra et af Ghibertis paneler, der skildrer Adam og Eva.

Michelangelo var en from katolik, men han var også stærkt påvirket af temaer fra oldgræsk og Rom samt nutidige videnskabelige ideer, der findes i hans malerier. F.eks. Afspejler formen af ​​den røde kappe i The Creation of Adam den menneskelige hjerne, hvilket tyder på, at Adam selv er udstyret med særlig viden.

En anden kalkmaleri, Den sidste dom, skildrer Kristi andet komme og tog Michelangelo syv år at afslutte. Dette massive maleri blev afsløret i 1541 på altervæggen i Det Sixtinske Kapel.

Nogle tilskuere gjorde imidlertid indsigelse mod billederne af nøgne kroppe, der blev vist i religiøse omgivelser, og efterfølgende blev det besluttet at dække over kønsorganerne, en opgave udført af en af ​​Michelangelos lærlinge. Andre mindre kendte malerier kan ses i Vatikanets Pauline -kapel, herunder kalkmalerier som Saulens omvendelse og Sankt Peters korsfæstelse.

Michelangelos metoder påvirkede de florentinske kunstnere, der fulgte ham. Det 16. århundrede oplevede en blomstring af kunstnerisk indsats under protektion af den velhavende hertug i Firenze, Cosimo de Medici. En ny kunstnerisk bevægelse kendt som Bella Maniera eller manisme blev udviklet, en stil der fulgte renæssancen og gik forud for barokken, overvejende påvirket af farvepaletterne og formerne skabt af Michelangelo.

Ifølge Vasari producerede manieristiske kunstnere malerier af "idealiseret nåde" med brug af levende farver og kompleks sammensætning. Michelangelo påvirkede senere kunstnere som Pontormo, Bronzino og Raphael. Tilskuere blev tiltrukket af malerier med idealiserede, muskuløse figurer og overdrevne stillinger, der minder om græske og romerske billedhuggere.

Michelangelo var et eksempel på en sand renæssancemand, der opnåede fremtrædende plads på flere områder af kunstnerisk og intellektuel bestræbelse og betragtet som et geni af hans samtidige. Han var den første kunstner, der modtog anerkendelse i løbet af sit eget liv, og hans indflydelse på udviklingen af ​​vestlig kunst kan ikke overvurderes.


Se videoen: Poetika nových obrazů i starých gramofonů